Hay voces que son capaces de dejarte prendado por completo. En 2006 descubrimos una nueva: la de la alemana Ayo, que nos pilló por sorpresa con Joyful, su primer disco, una mezcla perfecta de soul, reggae y pop que tuvo en la exitosa "Down On My Knees" la mejor carta de presentación.
Ayo fue recogiendo influencias y sonidos de diferentes partes del mundo (de París a Nueva York, pasando por Nigeria), para después componer canciones en las que nos enseña todo ese aprendizaje intercultural, uniéndolo casi mágicamente con su propia voz.
Una voz única, frágil, cálida, llena de pequeños matices, que transmite sensualidad, humildad y fuerza a partes iguales. Estos mismos adjetivos se pueden aplicar a las canciones de Joyful, algunas con melodías alegres y optimistas ("Letter By Letter", "Only You" o la soberbia versión de "And It's Supposed to Be Love" de Abbey Lincoln), otras más tristes y nostálgicas ("Without You" y "These Days" son terriblemente sinceras) y otras mucho más enérgicas ("Help is Coming", "Life Is Real" o la magnífica "Neva Been", con gospel final incluido).
A todo lo anteriormente dicho le debemos añadir una interpretación musical excelente, que crea el colofón ideal para unos temas y una voz llamados a quedarse en nuestra cabeza durante mucho tiempo. Así que haceos un favor y escuchad este Joyful de Ayo.
No es necesario pasar de la primera canción de Happiness (2005) para darse cuenta que el debut del cantante, percusionista y compositor francés Sébastien Schuller no es precisamente un disco lleno de canciones que te levantan el ánimo. Lo que sí que se puede intuir desde el inicio de Happiness es que es uno de los álbums más emocionantes y personales de la última década.
Sébastien Schuller se presenta como especialista en crear atmósferas tan intrigantes como inspiradoras. Sólo así se entienden el principio y el final de Happiness, piezas instrumentales tituladas, respectivamente, "1978" y "Le Dernier Jour".
Una vez entras en el particular mundo de Schuller, detallista, hecho de pequeños destellos brillantes y oscuros, es difícil salir. Su música oscila entre el rock, el folk intimista y la electrónica, a la que otorga un papel constante pero casi nunca protagonista en cada canción del disco. Una mezcla armónica y rítmica que el francés hace funcionar a la perfección para entregarnos auténticas delicias como "Weeping Willow", "Tears Coming Home", "Edward's Hand" o "Donkey Boy", aunque a veces uno agradecería que el sonido fuera más claro y menos saturado (hablo de "Ride Along the Cliff", que, por cierto, recuerda a ese "Dreamer" de Supertramp pero en su versión más psicodélica). La voz de Schuller, sin ser espectacular, sobresale entre ecos y ambientes densos para cantar melodías llenas de melancolía.
Happiness no es un álbum feliz aunque sus canciones remiten, en ocasiones, a paisajes puramente cinematográficos y de fantasía. Es por este motivo que no me extrañaría que la próxima entrega de Sébastien Schuller sea una banda sonora o un disco puramente conceptual.
Lo primero que sorprende al escuchar a Russian Red (pseudónimo de Lourdes Hernández) es que sea una chica de Madrid. Sus canciones son difíciles de poner en contexto en el panorama nacional, y no sólo porque sean escritas en inglés, sino porque su música nos recuerda a la nueva ola de artistas folk procedente, en su mayoría, de Francia, Reino Unido y Norteamérica. Lo segundo que sorprende de Russian Red es que I Love Your Glasses (2008) sea su debut.
Hay músicos que necesitan dos o tres discos para llegar a publicar un álbum tan completo como I Love Your Glasses. La joven Lourdes sólo ha necesitado éste para demostrar de lo que es capaz de hacer con una guitarra, una voz y unas melodías que no desmerecen a las de Laura Veirs o incluso a las de PJ Harvey.
Desde el primer y magnífico corte del álbum, "Cigarettes", ya nos podemos hacer una idea de lo que nos depara I Love Your Glasses: canciones cálidas, cercanas, arreglos sencillos y pequeños detalles que engrandecen casi sin que nos demos cuenta las composiciones de Russian Red.
En "No Past Land", "Hold it Inside" y "Timing is Crucial" la cantante madrileña nos muestra su cara más introspectiva, mientras que en la pegadiza "Take Me Home" y en el primer single "They Don't Believe" (con ese imparable ritmo que parece sacado directamente de un cabaret) nos enseña su vertiente más pop. ¿Y qué mejor final para I Love Your Glasses que una excelente versión de ese clasicazo ochentero de Cyndi Lauper titulado "Girls Just Want to Have Fun"?
Lo tercero que sorprende de Russian Red es que tan solo tiene 22 años. Así que podemos afirmar desde ya que es una de las artistas con más proyección y futuro de nuestro país.
Hablar de Aphex Twin es hablar del irlandés Richard David James. Y hablar de Richard David James es hablar de uno de los artistas más controvertidos, respetados, creativos y personales de la actualidad. En 2001 publicó Drukqs, un compendio entre minimalismo clásico y experimentación electrónica que, una vez más, no dejó a nadie indiferente.
Conocido ante todo por sus singles ("Digeridoo", "Come To Daddy", "Ventolin", "Windowlicker"...), Aphex Twin se ha ido ganando a pulso el reconocimiento de su interesante y extensa obra. En este sentido, Drukqs es tal vez el álbum que mejor recoge las inquietudes del irlandés, especialista en encontrar nuevos sonidos y ambientes para renovar el lenguaje de la música en general y de la electrónica en particular.
Drukqs se estructura en dos discos de 15 canciones cada uno, aunque no hay diferencias sustanciales entre las dos partes que justifiquen esta división. Aphex Twin va alternando piezas clásicas para piano, piezas contundentes de drum'n'bass y/o similares (noise, techno...) y piezas ambientales. Con todo, la sensación general al escuchar Drukqs es de tranquilidad tensa, de sorpresa constante. De una nostalgia terriblemente perturbadora que tiene en "Vordhosbn", "Petiatil Cx Htdui", "Avril 14th", "Omgyjya-Switch 7" y "Nanou2" sus momentos álgidos.
Aunque siempre requerirá de una predisposición especial, Drukqs es uno de los discos más convencionales de Aphex Twin. Un excelente punto de partida para quien no ha escuchado la obra de este indispensable artista y otro álbum sobresaliente de R.D. James para sus fans más aférrimos.
Hace justo una semana que está a la venta Els millors professors europeus (2008), el debut de Manel, uno de los discos que casi seguro no faltará en las listas de lo mejor del año. Estos cuatro jóvenes de Barcelona han maravillado a público y crítica con sus magníficas letras, con su música de músicas y, ante todo, con canciones como "En la que en Bernat se't troba", "Dona estrangera", "Al mar", "Captatio benevolentiae", "Nit freda per ser abril" o "Ai, Dolors".
Abusando (un poco) de la confianza que tengo con Martí Maymó, bajista, contrabajista, flautista, corista y clarinetista de Manel, aprovecho la publicación de Els millors professors europeus para realizarle una pequeña entrevista vía internet. También es una buena ocasión para preguntarle por The Seihos, grupo del que también forma parte Martí y que está a las puertas de sacar su primer disco.
Manel estarán tocando en FNAC l'Illa el próximo viernes 28 de noviembre (20:00) y en el Primavera Club los días 10 y 12 de diciembre en Madrid y Barcelona respectivamente. Puedes consultar su Myspace aquí: http://www.myspace.com/gatmanel.
Whisky On The Rocks: En primer lloc, felicitats pel vostre debut. Suposo que estareu contentíssims amb el resultat i la excel·lent acollida del disc per part del públic i de la critica especialitzada. Pels que no us coneixen: Com definiries la música que feu?
Martí Maymó: Creiem que la nostra música és pop. Ens han intentat englobar en altres estils, però ens sentim més còmodes dins el pop.
WOTR: Us han comparat amb artistes de la talla de Sisa, Pau Riba o Antònia Font. Què creus que compartiu amb ells? Fins a quin punt han sigut una influència?
MM: Crec que en compartim poques coses. Són músics que admirem i que ens agraden i que evidentment tenim presents, però mai com a influència. Ells són els anomenats músics galàctics, un sac on crec que no se’ns hi ha d’incloure ja que les lletres de Manel no són gens galàctiques. Sonen molt diferent els discos de Antònia Font, Sisa o Pau Riba, tot i que sense voler-ho “Nit Freda Per Ser Abril” poden recordar les veus de “Carrer”, la primera cançó del disc Orgia de Sisa. El cap i a la fi Manel és la unió de quatre persones amb diferents influències i potser sense voler-ho n’hem agafat d’aquests tres, però segur que n’hi ha de molts altres.
WOTR: Què ens pots dir del que podrem veure en els vostres concerts?
MM: Els concerts resulten ser força diferents el disc. Ho són per força ja que és impossible dur al directe tot el que sona el disc. Tot i així estem contents del format que oferim. El públic hi pot reconèixer les cançons perfectament, però és un repte per nosaltres aconseguir substituir instruments de vent i corda per coses que puguem fer nosaltres. Us convido a comprovar-ho.
WOTR: Si poguessis escollir algun grup o cantant per compartir escenari, quin agafaries?
MM: Johnny Cash es pot dir? Tot i que m’agradaria veure a Bob Dylan al backstage. Potser em quedo amb Dylan.
WOTR: Estàs preparant alguna cançó completament teva per Manel? Ho tens en ment?
MM: Ho tinc al cap. De fet hi tinc idees melodies, però segurament el meu problema és l’autoconfiança. De moment em sento més còmode ajudant a fer sonar les cançons dels altres. Però bé, ja tinc ganes de que Manel comenci a cantar alguna cançó meva.
WOTR: Si Manel fos un personatge real, un amic, com seria?
MM: Agradable, simpàtic i tímid.
WOTR: Per quan l'esperadíssim àlbum de debut de The Seihos (http://www.myspace.com/theseihos)? Què tenen en comú les dues bandes? Et costa compaginar-les?
MM: El disc de The Seihos s’està acabant. Segurament el desembre estarà tot enllestit. Però no tenim pressa, és un disc que de fet fa anys que va arrancar i sembla que per fi el podrem presentar.
La veritat és que les dues bandes tenen molt poc en comú. Comparteixen baixista, amistats i una gran admiració d’una a l’altra; en els concerts de Manel veus a The Seihos cantant les lletres, i viceversa. Bé, pensant-ho bé, són força coses no?
No costa compaginar-les. Si bé ara Manel em suposa més temps de dedicació sempre hi ha moment per una o l’altre. De fet és fantàstic poder-las compaginar.
Junto al magnífico Parallelograms (1970) de Linda Perhacs, este Just Another Diamond Day (1969), de la cantante inglesa Vashti Bunyan, es tal vez el disco folk más injustamente olvidado del siglo XX. Tuvieron que pasar 30 años para que fuera redescubierto y vuelto a editar.
Sin duda, demasiado tiempo perdido para verdaderas joyas como "Swallow Song" o "Rose Hip November". La voz de Bunyan, frágil, cálida y extremadamente dulce, es capaz de dejar prendado al oyente para siempre con tan sólo un tarareo. De hecho, Just Another Diamond Day conquista desde la primera escucha gracias a sus breves pero preciosas canciones.
En "Window Over The Bay", Bunyan desea tener una ventana encima de una bahía y vivir rodeada de animales, a modo de granjera. Y muy probablemente ese sea el mejor lugar para escuchar Just Another Diamond Day. En una masía, en primavera u otoño, con las ventanas muy abiertas y en absoluta calma.
La música de la cantante inglesa invita a sonreír, pero también a la reflexión. Sus composiciones tienen melodías sin pretensiones que uno cree haber escuchado toda su vida, entre la canción tradicional, las nanas y las armonías celtas. "Diamond Day", "Glow Worms", "Timothy Grub", "Come Wind Come Rain", "Jog Along Bess"... Pocas veces un disco suena tan humilde, elegante y exquisito.
Just Another Diamond Day es un álbum necesario para entender el resurgimiento del folk en el que estamos inmersos actualmente. Vashti Bunyan es otro ejemplo de artista involuntariamente escondida a la que no se debe volver a perder de vista jamás.
Los islandeses Sigur Rós dieron el pasado jueves 13 de noviembre una lección de talento, creatividad y espectáculo encima del escenario. Ante un público tan numeroso (la actuación tuvo que trasladarse de la sala Razzmatazz al St. Jordi Club) como entregado, el cuarteto exhibió con fuerza un repertorio que ya empieza a estar plagado de clásicos.
A falta de acompañamiento orquestal, Sigur Rós echaron mano de la potencia que ya está presente en sus discos - especialmente en sus últimas entregas. Sin embargo, el concierto empezó con un breve repaso de lo que para muchos sigue siendo su obra cumbre: Ágætis Byrjún. "Svefn-g-englar" y "Ný batterí" nos pusieron en contexto después de la actuación de los teloneros, For a Minor Reflection (también islandeses), que estuvo llena de buenas intenciones aunque desprendió una inevitable sensación de déjà vu, con su propuesta instrumental similar a Mogwai y a los propios Sigur Rós.
For a Minor Reflection
Después del emocionante paseo por Ágætis Byrjún, Jónsi y los suyos empezaron a interpretar canciones de Takk... y del nuevo Með suð í eyrum við spilum endalaust. Si más de uno ya creía que estos dos álbumes acercaban a Sigur Rós a una sonoridad más pop, en directo pudieron recoger argumentos de sobra para defender su teoría. "Glósóli", "Hoppípolla", "Sæglópur", "Gobbledigook" y "Inní mér syngur vitleysingur", esta última con explosión de confeti incluida, fueron las canciones más aplaudidas de un concierto en el que los islandeses mostraron una cara menos introspectiva que en sus discos pero infinitamente más brillante. El interminable crescendo de la final "Untitled 8 (Popplagið)", del injustamente menospreciado (), fue, literalmente, de vértigo.
También fueron destacables la escenografía y los juegos visuales que pudimos ver detrás de los componentes de la banda. Habían cámaras escondidas que filmaban a los músicos in situ, y la filmación se reflejaba en una pantalla-cortina con impactantes efectos. Cuando se corrió la cortina, dejó al descubierto una especie de galaxia formada por planetas y estrellas que arropó a la perfección a Jónsi para cantar la preciosa "All Right".
Jónsi logró emocionar con su particular e incombustible voz
En definitiva, el concierto de Sigur Rós acabó por confirmar que son uno de los grandes. Y que su directo es uno de los espectáculos musicales más emocionantes, coloristas y sensacionales que se pueden ver hoy en día.
Si hay algún disco que defina la música de Super Furry Animals, probablemente sea Rings Around the World (2001). Uno de los pocos álbumes que sigue sonando fresco, original e inimitable por muchas veces que se escuche, y que ratifica a los galeses como una de las bandas pop más influyentes de las últimas décadas. Enfrentarse por primera vez a los Super Furry Animals puede no resultar fácil. Su fuerte personalidad y sus pequeños -pero continuos- coqueteos con la experimentación tal vez provoquen que el oyente desvíe su atención. O al contrario: tal vez consigan despertar y enamorar a más de uno. Lo que debe ser difícil es no rendirse ante canciones como la magníficas "Juxtapozed With U", "Presidential Suite" o "It's Not the End of the World?", que muestran el lado más amable de la banda y encandilan desde los acordes iniciales. Y es que, ante todo, Super Furry Animals es un grupo pop. Psicodélico (el artwork del disco no engaña), o como se le quiera llamar, pero pop al fin y al cabo. No es por casualidad que los mismos Paul McCartney y John Cale figuren en los créditos de Rings Around the World. Aunque si hay algo que queda claro con este álbum es que la banda procedente de Gales no se marca ningún límite y que su ambición parece no tener fin. Sólo es necesario escuchar "No Sympathy" para entender de qué hablo. Rings Around the World suena como un álbum de los 60 filtrado con dosis de electrónica, mucha imaginación y algo de mala leche. Y Super Furry Animals siguen siendo únicos en su especie.
Cuando abrí Whisky On The Rocks, allá por el mes de febrero, lo hice por varios motivos. Entre ellos, quería recopilar reseñas de discos escritas por mí para poder enviarlas a medios de comunicación musicales.
Cuando tuve una cantidad considerable de críticas colgadas en el blog, me puse en contacto con varias revistas. La primera que me contestó fue Rockdelux, que me comunicó que a partir de septiembre se pondría en contacto conmigo. Y así fue.
Hoy, en el número 267 de Rockdelux, correspondiente al mes de noviembre de 2008, me han publicado las críticas de:
- Estanislau Verdet: L'all ho és tot pels anglesos
- Holly Golightly and the Brokeoffs: Dirt Don't Hurt
- Chad VanGaalen: Soft Airplane
Y espero salir también en el número de diciembre.
Además, Whisky On The Rocks ha superado, desde mayo (mes en el que instalé el contador) las 5.000 visitas - de las cuales 4.000 son visitantes únicos.
Y, con el que estás leyendo, llevo ya publicados más de 50 posts.
Por todo esto, ¡hoy estoy de celebración! Y mi auto-regalo ha sido el dominio http://www.whiskyontherocks.net. Así que ahora es más fácil que nunca encontrarme.
¡MUCHAS GRACIAS A TODOS/AS LOS QUE VISITÁIS O HABÉIS VISITADO WHISKY ON THE ROCKS!
Os dejo con dos canciones de los discos de Estanislau Verdet y Chad VanGaalen (no he encontrado ninguna de Holly Golightly and the Brokeoffs) que he reseñado para Rockdelux.
A la jovencísima cantante, intérprete y compositora estadounidense Joanna Newsom hay que escucharla con todos los sentidos. Su segundo disco, titulado Ys (2006), es una propuesta inclasificable y original, repleta de matices y de emoción.
Lo primero que llama la atención de Ys es su reducido número de canciones, 5, y la extensa duración de las mismas: "Cosmia", con poco más de 7 minutos, es la pieza más corta del álbum; "Only Skin", la más larga, está cerca de los 17.
Cuando Ys empieza, con la maravillosa "Emily", te acaba de convencer de lo única y encantadora que es su obra, un cruce entre el folk y las arias propias de la ópera, en donde no hay rastro de guitarras ni de baterías y una orquesta se encarga de acompañar la increíble voz de Newsom, que puede llegar a recordar por momentos a la de Bianca de CocoRosie o a la misma Björk.
Además, sus canciones están llenas de profundidad, gracias, por una parte, al trabajo de los omnipresentes Steve Albini, Jim O'Rourke y Van Dyke Parks,y por otra parte, a sus excelentes letras mitológicas y metafóricas (de hecho, Ys es casi un CD-libro). En "Sawdust & Diamonds", Newsom da una clase magistral de interpretación, dejándonos con la boca abierta simplemente tocando su dulce arpa y cantando con sus cuerdas vocales. Y en "Monkey & Bean" nos traslada a un escenario tal vez más propio del teatro.
Ys fue uno de los álbumes más celebrados de 2006. Joanna Newsom parece una trovadora del S. XXI, y nos regala una obra tan compleja a priori como humilde y adictiva con un par de escuchas.
Cuando escucho Ultrasónica (2001) no puedo evitar subir 2 puntos el volumen de mi reproductor. Aunque mi sordera va en peligroso aumento, este álbum de Piratas me provoca exactamente lo que quiere provocar: introducirme en un sonido tan abrumador como brillante, sumergirme en unas letras tan reales como oscuras y hacer que no pueda evitar tararear algún que otro hit.
Ultrasónica empieza con "Teching", un inicio de disco inmejorable por su potencia, por su combinación de electrónica y rock y por los interrogantes que plantea en cuanto ver qué caminos va a seguir el álbum en los temas siguientes. Estos interrogantes se ven acentuados con "El equilibrio es imposible", ya que se trata de una preciosa canción que nos enseña otra vertiente de las composiciones de Piratas, llena de detalles y melancolía. Por otra parte, "Años 80", que no necesita presentación, tiene todos los ingredientes para ser lo que acabó siendo, es decir, un himno generacional.
Y es que el secreto de que Ultrasónica sea un disco impecable se encuentra en una combinación inusual de pop-rock de radiofórmula y rock alternativo, que da excelentes resultados gracias a composiciones que no dejan de lado la experimentación - musical y narrativa - para contar historias en las que muchos se pueden reflejar. Seguramente, el mejor ejemplo de todo esto lo encontramos en las perfectas "Jugar con los coches", "Disimular" y "Filofobia", canciones en las que se hace patente la continua bipolaridad de los temas de la banda gallega, siempre moviéndose entre la fuerza y la tristeza. Punto aparte merecen las interpretaciones de los componentes de Piratas. Todos y cada uno de ellos aportan lo mejor de sí mismos y contribuyen a engrandecer sus propias canciones hasta el límite justo.
Ultrasónica es tal vez la obra que define en mayor modo la música y la personalidad de Piratas. Y demuestra por qué fueron uno de los grupos más importantes e innovadores de nuestro país.
La industria discográfica parece vivir en un inquietante standby desde que internet y el mp3 llegaron a nuestros hogares. La reacción de las discográficas hacia esta innegable evolución tecnológica ha sido mayoritariamente en negativo: desde el cierre de Napster hasta el trato de delincuente y la continua persecución de todo aquél que se baja música a través de plataformas P2P. Cambios en positivo hay pocos. De los más significativos, encontramos la legalización de la descarga de canciones previo pago y la incursión de material extra (DVD's, rarezas...) en los CD's. Por contra, las discográficas se dan una y otra vez contra la misma pared y da la sensación que funcionan a ciegas, a verlas venir. Se niegan a asumir que se ha cambiado de ciclo y que se les ha escapado el control de la distribución musical.
Lo más preocupante es que no ofrecen alternativas al panorama actual. Su negocio ha sufrido una de las debacles más importantes de la historia, pero siguen sin enfocar bien la causa.
Es evidente que las nuevas tecnologías han facilitado la reproducción y la grabación de material musical y que la venta de discos ha descendido en la última década. Pero es en esta misma década en la que ha aparecido un mayor número de bandas y cantantes, gracias a la gran cantidad de recursos de los que disponen actualmente. El fenómeno indie tiene su mejor soporte en internet; es en la red donde los grupos no dependen absolutamente de nadie para dar a conocer su obra, con lo que pueden desarrollar su música sin ataduras de ningún tipo y sin la presión comercial. Internet también es el medio ideal para los nuevos creadores, que ven que su futuro dependerá en gran parte del volumen de conciertos que tengan contratados, y no de las ganancias - escasas - que puedan obtener de la venta de sus discos.
Las grandes discográficas no ven otra salida que la de siempre: crear hits y listas de éxitos, organizar macro-espectáculos, vender la-cara-bonita... Y han añadido la descarga de politonos como elemento esencial en su plan de distribución. Juegan hipócritamente, sabiendo que aún tienen mucho poder, postulándose como los salvadores de la música que luchan contra el enemigo: la piratería.
Así que esperemos que cada vez estas discográficas tengan menos poder y que cada vez haya más artistas dispuestos a enseñarnos su música. Y que nosotros les recompensemos como se merecen.
Los alemanes De-Phazz, liderados por Pit Baumgartner, publicaron en 2001 su disco más representativo: Death by Chocolate. En él encontramos la fusión entre electrónica y jazz que caracteriza a la banda y sus primeros éxitos comerciales, que hicieron que De-Phazz estuviera en boca de muchos y se convirtiera en uno de los grupos más irresistiblemente cool del planeta. Si bien Death by Chocolate no presenta demasiadas novedades respecto a los anteriores trabajos de De-Phazz, sí que contiene composiciones, interpretaciones y arreglos inigualables. Lo demuestran desde el movido inicio del disco, titulado "Heartfixer", que ya avisa de lo ecléctica que es la propuesta musical de los alemanes. Continúa con "Something Special", que logra alegrar el día a cualquiera, y sigue con una pieza instrumental, "Nu Chic", de marcado carácter experimental pero que no desentona del conjunto del álbum. Y así, Death by Chocolate va moviéndose entre ambientes electrónicos, sensuales, pop, jazz, trip-hop, etcétera, y va creando un sonido sofisticado y detallista (chic, dirán algunos) que casaría a la perfección con el término "lounge". De las 16 canciones que conforman el extenso Death by Chocolate, sobresalen, aparte de las tres mencionadas anteriormente, la imparable "Jeunesse Dorée", el funk de "Jimm The Jinn", la divertida "Trash Box" y la magnífica (de principio a fin) "Love's Labour's Lost". Los domingos por la tarde son mejores si hay De-Phazz sonando de fondo. Y Death by Chocolate es uno de esos discos que van bien para acompañar una cena romántica. Pero si lo escuchas con atención, su valor se multiplica exponencialmente. Imprescindible.
Bryter Layter (1970) fue el segundo disco del cantautor inglés Nick Drake. Tal y como sucedió con su debut, Five Leaves Left (1969), la respuesta comercial y crítica en su momento resultó casi nula. Intencionadamente o no, en Bryter Layter encontramos las composiciones más pop - por así decirlo - del desafortunado Drake.
El álbum empieza con una breve y preciosa introducción orquestal, a la que le sigue "Hazey Jane II", tal vez el tema más destacado de Bryter Layter, de ritmo alegre y brillante, que vuelve a demostrar la extraordinaria capacidad que tenía Drake para escribir canciones.
Sin embargo, en Bryter Layter parte del soberbio resultado final pertenece a la interpretación de los músicos que arropan al cantautor, que juegan un papel muy importante en piezas como la mencionada "Hazey Jane II", la jazzística y excelente "Poor Boy", la rítmica "One Of This Things First", la imprescindible "At the Chime of a City Clock" (con ese inolvidable saxo a cargo de Ray Warleigh dialogando con Drake) y la final "Sunday". El ex-Velvet Underground John Cale aparece tocando la viola y el arpa en la melancólica "Fly" y la celesta, el piano y el órgano en la optimista "Northern Sky". Con todo, Bryter Layter es quizás lo más cerca que estuvo Drake de hacer un disco comercial, sin perder ni un ápice de su gran personalidad y llenando sus canciones de un ambiente más animado que en otras entregas.
Considerado actualmente como un álbum básico del siglo XX, a Bryter Layter, como a su creador Nick Drake, le llegó demasiado tarde el reconocimiento que se merecía. Más vale tarde que nunca.
La cantante y compositora estadounidense Dayna Kurtz tiene una de esas voces difíciles de olvidar. Una de esas voces que nos evocan a los shows de cabaret, a los bares nocturnos, al humo, a los corazones rotos. Sus canciones son el escenario ideal para que nos muestre su enorme capacidad interpretativa. Postcards From Downtown (2002) es el disco con el que se dio a conocer.
Si hay alguien capaz de poner encima de la mesa gran parte de la historia de la música moderna norteamericana y trasladarla a su terreno, esa persona probablemente es Dayna Kurtz. Lo ha demostrado a lo largo de su carrera, empezando por Postcards From Downtown, un híbrido de jazz, soul, folk y blues.
Acompañada por su inseparable guitarra acústica y una banda de músicos que hacen vibrar aún más si cabe sus composiciones, Kurtz nos entrega una colección de canciones que, tal y como dice el título del disco, parecen haber sido escritas en el centro de una gran ciudad. "Fred Astaire" es el tema inicial, una suerte de vals que nos deja la boca abierta con su magnífico estribillo. "Somebody Leave a Light On" es un cambio de estilo, mucho más oscuro y enérgico, en el que podemos escuchar a uno de los descubridores de Kurtz, el cantante folk Richie Havens. "Last Good Taste" es un blues a la altura de la mejor Nina Simone. "Paterson" contiene fragmentos que alcanzan una emoción casi insoportable. "Postcards From Downtown" es un medio tiempo de esos en los que Kurtz se desenvuelve perfectamente. Y "Love Gets in the Way" y "Miss Liberty" son tal vez las canciones más destacadas, en las que podemos escuchar a la cantante norteamericana en su máximo esplendor.
Postcards From Downtown es uno de esos discos que muy de vez en cuando nos sorprenden con canciones atemporales. Y Dayna Kurtz se ha convertido ya en una de las voces más personales de la actualidad.
Cuando uno acaba de escuchar Cinema (2004) de Rodrigo Leão, se queda con la sensación de haber escuchado uno de los discos más bellos y originales jamás grabados. Uno de esos discos inclasificables que contienen melodías que nos acompañarán a lo largo de nuestra vida. Y es que cada canción de Cinema podría ser la música que conformaría la banda sonora de cada uno de nosotros.
Al compositor portugués Rodrigo Leão se le suele etiquetar de melancólico. Y sí, en Cinema hay mucha melancolía. Pero también está lleno de momentos optimistas. La variedad de estilos entre los que se mueve el disco se unen -casi sin que te des cuenta- con ciertas líneas sonoras y melódicas que le dan forma y lo convierten en un conjunto inseparable.
Todo empieza con la preciosa pieza de cámara "Cinema", y a partir de ese inicio las otras canciones parecen desarrollar un concepto basado en la música de películas (FedericoFellini, Stanley Kubrick y David Lynch son los directores que cita el propio Leão como sus favoritos). Por si fuera poco, en el disco encontramos sobresalientes colaboraciones que elevan a la máxima potencia las composiciones del músico portugués. Entre ellas, destacan la camaleónica Beth Gibbons (dePortishead) en la genial "Lonely Carousel", el piano de Ryuichi Sakamoto en la pieza final dedicada al hijo de Leão "Antonio" o Sónia Tavares (de The Gift) en, entre otras, la sobrecogedora "Deep Blue".
Cinema es un disco de discos. Rodrigo Leão realiza un ejercicio brillante y emocionante a partes iguales, y nos regala un álbum totalmente indispensable.
