Contracrítica: Reveal, de R.E.M.

La historia de R.E.M. tiene un antes y un después en 1997, cuando el batería Bill Berry decide abandonar la influyente banda liderada por Michael Stipe. En 1998, ya sin Berry, R.E.M. publican Up, mostrando una faceta cercana a la experimentación electrónica, y en 2001 editan este Reveal que, junto al posterior Around The Sun (2004), es ampliamente considerado como el álbum menos inspirado de los estadounidenses (3/5 en Allmusic, 5 en Pitchfork, por ejemplo).

Hay un hecho irrebatible en Reveal: la sensación de que, con él, R.E.M. llegaron a un punto de máxima madurez, recopilando sonidos y recursos melódicos apuntados en álbumes anteriores para componer canciones que esconden pocas sorpresas. Una madurez que a unos les parecerá de lo más aburrida e incomprensible con el significado de la banda, mientras que para otros será una muestra más del increíble talento de R.E.M. Yo me decanto, sin dudarlo ni un segundo, por la segunda opción.

A veces los que escribimos y debatimos sobre música le damos demasiadas e innecesarias vueltas al asunto. La reacción de la crítica especializada frente a Reveal es una buena muestra de ello. Pero al final todo es mucho más sencillo al escuchar temas como "The Lifting", el encargado de abrir este disco. Michael Stipe canta: You've said the air was singing, It's calling you, you don't believe These things you've never seen. Y nosotros nos deberíamos preguntar: ¿cuántas bandas conocemos capaces de crear una melodía tan emocionante como este estribillo?

De acuerdo, los ruiditos de "I've Been High" nos pueden llegar a molestar y ahora suenan un poco demasiado a típica producción ochentera, pero en "All The Way To Reno (You're Gonna Be A Star)" encontramos ese single que nos reconcilia con R.E.M. y nos motiva como nadie ni nada. Además, lo mejor está por llegar: "She Wants To Be" y "Disappear" podrían formar parte de cualquier recopilatorio de cualquier otra banda, "Beat A Drum" parece sacada de antiguos discos del grupo y en "I'll Take The Rain" encontraremos esa melancolía que tan solo ellos podían transmitir.

Y no, no nos olvidemos de la maravillosa "Imitation Of Life" ni de su espléndido videoclip (si todavía no lo has visto, deja de leer esto y dale YA al play), obras ambas que hicieron de R.E.M. una de las bandas que más echaremos de menos. 







Puedes escuchar Reveal de R.E.M. en Spotify.

"Des armes", de Noir Désir: Un homenaje a #PrimaveraValenciana

Ayer muchos jóvenes dejaron de ser adolescentes de golpe y porrazo. Y no se me ocurre ninguna otra forma de rendirles homenaje que con "Des armes", una canción del sobresaliente grupo francés Noir Désir, que pone música y voz a un emocionante poema de Léo Ferré.

Habla sobre la fuerza de las palabras, a las que compara con armas de fuego. Porque todos hemos creído alguna vez que dialogando, hablando, expresándonos y sí, quejándonos, quejándonos mucho, podíamos llegar a cambiar las cosas. Y, aunque la realidad a veces aparece demasiado de repente, nunca deberíamos olvidar que siempre tenemos que defender lo que creemos que es justo.

Des armes, des chouettes, des brillantes,
Des qu'il faut nettoyer souvent pour le plaisir
Et qu'il faut caresser comme pour le plaisir
L'autre, celui qui fait rêver les communiantes

Des armes bleues comme la terre,
Des qu'il faut se garder au chaud au fond de l'âme,
Dans les yeux, dans le coeur, dans les bras d'une femme,
Qu'on garde au fond de soi comme on garde un mystère

Des armes au secret des jours,
Sous l'herbe, dans le ciel, et puis dans l'écriture,
Des qui vous font rêver très tard dans les lectures,
Et qui mettent la poésie dans les discours.

Des armes, des armes, des armes,
Et des poètes de service à la gâchette
Pour mettre le feu aux dernières cigarettes
Au bout d'un vers français brillant comme une larme.

Aquí tienes una detallada explicación del poema (en francés). Hoy muchos políticos, muchos policías y muchos periodistas deberían leerlo y escuchar esta canción. Si al hacerlo no se les remueven las tripas, ya no sé qué podrá hacerlo.

Élena: Porelamordedios

Porelamordedios (2001) fue el álbum debut de la banda barcelonesa Élena, liderada por Helena Miquel y Raül Fernández. Un primer disco que, sin complejos, mezclaba todas y cada una de las influencias de los componentes del grupo y conseguía que el resultado fuera extraordinario. Sin duda, un rara avis del panorama nacional que debería ser revisado a menudo.

Uno tiene la sensación que si Élena hubiera sido la prioridad de sus principales cabezas visibles, ahora mismo estaríamos hablando de uno de los proyectos más relevantes de nuestro país. Pero, desgraciada o afortunadamente, Helena se unió a la conocida aventura de Facto Delafé y Las Flores Azules y Raül se ha centrado en una carrera más personal, en la que destacan los trabajos publicados bajo Refree y su papel de productor en multitud de discos. Sin embargo, Élena no se ha roto nunca como grupo (en 2003 publicaron el loado Present y este 2009 han regresado - sin Raül - con Un café setanta matins), aunque actualmente son más conocidos por la "otra banda de la cantante de Facto Delafé...".

Es una lástima. No se encuentran cada día propuestas como Porelamordedios, de elevado riesgo compositivo y delicioso gusto por la experimentación. Los ritmos y sonidos heredados de Mogwai, Yo La Tengo y My Bloody Valentine hacen único a un grupo que se enorgullece de haber bebido del circuito independiente británico y estadounidense.

Desde la inicial "Pure", la ensoñadora voz de Helena parece estar flotando por encima de una base armónica y rítmica completamente hipnotizadora. Esta es una fórmula repetida a lo largo del disco ("Km 103", "No Pattern"), que se alterna con canciones más convencionales -pero igual de inspiradas-, como "Julio Alberto" o "These Days" y otras de marcado tono borroso y oscuro: "Silent", "Satan Kingsize"... Aunque lo mejor viene al final, con esa maravillosa pieza titulada "Nadie Pero Mar" (que recuerda inevitablemente a la célebre "Ný Batterí" de Sigur Rós), un tema instrumental casi en su totalidad que logra poner el broche de oro a un debut impecable.

Porelamordedios corre el riesgo de caer en el olvido, a ser sólo la declaración de intenciones de uno de los grupos con más talento del país. Y Helena no se merece este pobre futuro.

Pure

Silent

Km 103

Julio Alberto

These Days

Nadie Pero Mar

Aphex Twin: Drukqs

Hablar de Aphex Twin es hablar del irlandés Richard David James. Y hablar de Richard David James es hablar de uno de los artistas más controvertidos, respetados, creativos y personales de la actualidad. En 2001 publicó Drukqs, un compendio entre minimalismo clásico y experimentación electrónica que, una vez más, no dejó a nadie indiferente.

Conocido ante todo por sus singles ("Digeridoo", "Come To Daddy", "Ventolin", "Windowlicker"...), Aphex Twin se ha ido ganando a pulso el reconocimiento de su interesante y extensa obra. En este sentido, Drukqs es tal vez el álbum que mejor recoge las inquietudes del irlandés, especialista en encontrar nuevos sonidos y ambientes para renovar el lenguaje de la música en general y de la electrónica en particular.

Drukqs se estructura en dos discos de 15 canciones cada uno, aunque no hay diferencias sustanciales entre las dos partes que justifiquen esta división. Aphex Twin va alternando piezas clásicas para piano, piezas contundentes de drum'n'bass y/o similares (noise, techno...) y piezas ambientales. Con todo, la sensación general al escuchar Drukqs es de tranquilidad tensa, de sorpresa constante. De una nostalgia terriblemente perturbadora que tiene en "Vordhosbn", "Petiatil Cx Htdui", "Avril 14th", "Omgyjya-Switch 7" y "Nanou2" sus momentos álgidos.

Aunque siempre requerirá de una predisposición especial, Drukqs es uno de los discos más convencionales de Aphex Twin. Un excelente punto de partida para quien no ha escuchado  la obra de este indispensable artista y otro álbum sobresaliente de R.D. James para sus fans más aférrimos. 

Vordhosbn

Omgyjya Switch 7

Avril 14th

Petiatil Cx Htdui

Nanou2

Super Furry Animals: Rings Around the World

Si hay algún disco que defina la música de Super Furry Animals, probablemente sea Rings Around the World (2001). Uno de los pocos álbumes que sigue sonando fresco, original e inimitable por muchas veces que se escuche, y que ratifica a los galeses como una de las bandas pop más influyentes de las últimas décadas.
Enfrentarse por primera vez a los Super Furry Animals puede no resultar fácil. Su fuerte personalidad y sus pequeños -pero continuos- coqueteos con la experimentación tal vez provoquen que el oyente desvíe su atención. O al contrario: tal vez consigan despertar y enamorar a más de uno.
Lo que debe ser difícil es no rendirse ante canciones como la magníficas "Juxtapozed With U", "Presidential Suite" o "It's Not the End of the World?", que muestran el lado más amable de la banda y encandilan desde los acordes iniciales. Y es que, ante todo, Super Furry Animals es un grupo pop. Psicodélico (el artwork del disco no engaña), o como se le quiera llamar, pero pop al fin y al cabo. No es por casualidad que los mismos Paul McCartney y John Cale figuren en los créditos de Rings Around the World. Aunque si hay algo que queda claro con este álbum es que la banda procedente de Gales no se marca ningún límite y que su ambición parece no tener fin. Sólo es necesario escuchar "No Sympathy" para entender de qué hablo.
Rings Around the World suena como un álbum de los 60 filtrado con dosis de electrónica, mucha imaginación y algo de mala leche. Y Super Furry Animals siguen siendo únicos en su especie.

(Drawing) Rings Around the World

Juxtapozed With U


It's Not the End of the World?

Escucha Rings Around the World de Super Furry Animals en Spotify

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Piratas: Ultrasónica

Cuando escucho Ultrasónica (2001) no puedo evitar subir 2 puntos el volumen de mi reproductor. Aunque mi sordera va en peligroso aumento, este álbum de Piratas me provoca exactamente lo que quiere provocar: introducirme en un sonido tan abrumador como brillante, sumergirme en unas letras tan reales como oscuras y hacer que no pueda evitar tararear algún que otro hit. 

Ultrasónica empieza con "Teching", un inicio de disco inmejorable por su potencia, por su combinación de electrónica y rock y por los interrogantes que plantea en cuanto ver qué caminos va a seguir el álbum en los temas siguientes. Estos interrogantes se ven acentuados con "El equilibrio es imposible", ya que se trata de una preciosa canción que nos enseña otra vertiente de las composiciones de Piratas, llena de detalles y melancolía. Por otra parte, "Años 80", que no necesita presentación, tiene todos los ingredientes para ser lo que acabó siendo, es decir, un himno generacional. 

Y es que el secreto de que Ultrasónica sea un disco impecable se encuentra en una combinación inusual de pop-rock de radiofórmula y rock alternativo, que da excelentes resultados gracias a composiciones que no dejan de lado la experimentación - musical y narrativa - para contar historias en las que muchos se pueden reflejar. Seguramente, el mejor ejemplo de todo esto lo encontramos en las perfectas "Jugar con los coches", "Disimular" y "Filofobia", canciones en las que se hace patente la continua bipolaridad de los temas de la banda gallega, siempre moviéndose entre la fuerza y la tristeza. Punto aparte merecen las interpretaciones de los componentes de Piratas. Todos y cada uno de ellos aportan lo mejor de sí mismos y contribuyen a engrandecer sus propias canciones hasta el límite justo.

Ultrasónica es tal vez la obra que define en mayor modo la música y la personalidad de Piratas. Y demuestra por qué fueron uno de los grupos más importantes e innovadores de nuestro país.

Años 80

El equilibrio es imposible (Live)

Disimular (Live)

Filofobia (Live)

Escucha Ultrasónica de Piratas en Spotify

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De-Phazz: Death by Chocolate

Los alemanes De-Phazz, liderados por Pit Baumgartner, publicaron en 2001 su disco más representativo: Death by Chocolate. En él encontramos la fusión entre electrónica y jazz que caracteriza a la banda y sus primeros éxitos comerciales, que hicieron que De-Phazz estuviera en boca de muchos y se convirtiera en uno de los grupos más irresistiblemente cool del planeta.
Si bien Death by Chocolate no presenta demasiadas novedades respecto a los anteriores trabajos de De-Phazz, sí que contiene composiciones, interpretaciones y arreglos inigualables. Lo demuestran desde el movido inicio del disco, titulado "Heartfixer", que ya avisa de lo ecléctica que es la propuesta musical de los alemanes. Continúa con "Something Special", que logra alegrar el día a cualquiera, y sigue con una pieza instrumental, "Nu Chic", de marcado carácter experimental pero que no desentona del conjunto del álbum. Y así, Death by Chocolate va moviéndose entre ambientes electrónicos, sensuales, pop, jazz, trip-hop, etcétera, y va creando un sonido sofisticado y detallista (chic, dirán algunos) que casaría a la perfección con el término "lounge".
De las 16 canciones que conforman el extenso Death by Chocolate, sobresalen, aparte de las tres mencionadas anteriormente, la imparable "Jeunesse Dorée", el funk de "Jimm The Jinn", la divertida "Trash Box" y la magnífica (de principio a fin) "Love's Labour's Lost".
Los domingos por la tarde son mejores si hay De-Phazz sonando de fondo. Y Death by Chocolate es uno de esos discos que van bien para acompañar una cena romántica. Pero si lo escuchas con atención, su valor se multiplica exponencialmente. Imprescindible.

Something Special

Heartfixer

Nu Chic (no oficial)

Death by Chocolate


Love's Labour's Lost

The Avalanches: Since I Left You

Dicen que para concebir Since I Left You (2001), el grupo electrónico australiano The Avalanches utilizó unos 3.500 samplers distintos. La extraordinaria combinación de este número abrumador de samplers dio como resultado un disco fresco y original, ideal para escuchar durante los meses de verano.

Aunque por la naturaleza del proyecto puede parecer un álbum experimental, Since I Left You es totalmente accesible, a la par que añade nuevas técnicas y lenguajes dentro de la música electrónica. La composición de las canciones (echas a base de infinitos corta y pega, excelentemente trazados) es única e involucra una cantidad enorme de estilos.

De esta manera, el primer single del álbum, titulado "Frontier Psychiatrist", es una obra maestra de scratching, tiene un ritmo absolutamente contagioso y explica una historia delirante sobre un niño al que expulsan del colegio y en la que también aparecen cowboys, indios y caballos. Y es que todo tiene cabida en Since I Left You, desde el house hasta las armonías hawaianas, pasando por el hip hop y la ópera, sin olvidar la música de las películas de espías ni las continuas reminiscencias al pop de los 60 y 70. "Electricity", "Since I Left You", "Extra Kings", "Radio", "Two Hearts In 3/4 Time" o "A Different Feeling" son buenas muestras del talento que tienen The Avalanches para construir (en el sentido literal de la palabra) sus canciones.

Cuando uno escucha Since I Left You, llega a preguntarse cuántos vinilos reunieron The Avalanches para poder crear este disco. El resultado es sorprendentemente homogéneo y aporta una visión muy creativa y llena de humor a una música electrónica frecuentemente criticada por la falta de originalidad.

Después de este debut, somos muchos los que estamos esperando el segundo álbum de The Avalanches.

Frontier Psychiatrist

Since I Left You

Electricity (no oficial)

Escucha Since I Left You de The Avalanches en Spotify

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Daft Punk: Discovery

El segundo disco del dueto francés Daft Punk, Discovery (publicado en 2001), empieza con el famosísimo single bailable "One More Time", que, además de ser uno de los hits más importantes de los últimos años, sirve para introducir y resumir un álbum del todo alucinante y contagioso.

Aunque componen música eminentemente electrónica (ya sea house, techno, dance...), Daft Punk acostumbran a mantener ciertas estructuras de canciones que provienen de otros géneros, como el funk o el R&B, característica que les hace accesibles a todo tipo de gustos y oídos. Otra cualidad que les hace únicos es la extrema sencillez de elementos que utilizan en sus temas: sólo necesitan beats frescos, líneas de bajo contundentes y creativas, un teclado, diversos loops y samplers, y, ocasionalmente, una voz a la que se encargan de adaptar a la personalidad del grupo mediante el efecto vocoder. Empezaron a perfilar este estilo en el sobresaliente Homework (1997), que contiene la que quizás es la canción definitiva de Daft Punk, "Around The World", pero que carece de una unidad que se encargan de suplir en Discovery. Y no, este no es un álbum conceptual (a pesar de que les sirvió de eje narrativo para la película anime Interstella 5555), pero sí que se identifica fácilmente un nexo sonoro común a todas las piezas que lo componen. Entre ellas, destacan la citada "One More Time", y las irresistibles "Digital Love", "Harder, Better, Faster, Stronger", "High Life" y "Face To Face". Por otra parte, en "Too Long", el tema final  (que dura - calculadamente - 10 minutos justos), los franceses nos muestran otra vertiente de su propuesta, sin que desentone con la unidad general del álbum. 

Apabullante y elegante a partes iguales, Discovery sorprende por el envidiable y original discurso que presentan Daft Punk. Un discurso que les otorga la indiscutible condición de imprescindibles. 

One More Time (de Interstella 5555)

Digital Love (de Interstella 5555)

Harder, Better, Faster, Stronger (Vídeo no oficial)

Face To Face (de Interstella 5555)

Escucha Discovery de Daft Punk en Spotify

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Hood: Outside Closer

La característica e hipnótica música que compone y practica el trío británico Hood les convierte en una de las bandas más personales de los últimos años. Su fusión de electrónica, orquestas de cuerda y guitarras acústicas, que ya mostraron en 2001 con Cold House, volvió a hacer acto de presencia cuatro años después - de la mejor manera posible - en el adictivo Outside Closer.

Este es un álbum denso, pero con un sonido paradójicamente brillante y nítido. Los contínuos ecos y coros vocales, junto a las delicadas melodías llevadas a cabo por el conjunto de la parte instrumental y rítmica, hacen que las canciones del disco sean totalmente gélidas y que mantengan la atención y la tensión del oyente. De hecho, la hegemonía armónica de Outside Closer sólo se ve rota - que no descuadrada - con el sorprendente hit "The Lost You" (en el que podemos oír un sampler de Robert Wyatt), que descubre a unos Hood más cercanos a las estructuras propias del hip hop y de la música de club que de las piezas ambientales y oníricas a las que nos tienen acostumbrados. En el, de momento, último álbum de los británicos, también hay lugar para la experimentación más compleja ("Winter 72"), los temas descaradamente lo-fi ("End of One Train Working") y los espectaculares crescendos (la espléndida "Any Hopeful Thoughts Arrive"), terrenos en los que el trío se desenvuelve como pez en el agua.

Sin embargo, y en general, Outside Closer es un disco unido por piezas que encajan perfectamente entre sí y que forman uno de los discos más completos de esta ya indispensable y genial banda. Y es que Hood siempre buscan y consiguen provocar sensaciones y sentimientos a quienes les escuchan.

Any Hopeful Thoughts Arrive

The Negatives

The Lost You

Escucha Outside Closer de Hood en Spotify

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