Whisky On The Rocks

Nacho Vegas & Amigos: Palau de la Música, 27-01-12

2012-01-31T14:50:00.006+01:00

Nuestras entradas lo dejaban bien claro: Nacho Vegas "& Amigos". Lo que nunca nos hubiéramos imaginado es que estos amigos no fueran tan solo los artistas que acompañaron al asturiano durante el concierto, sino que también lo fuéramos el público allí presente.

Nacho Vegas se plantó el pasado viernes 27 de enero en el Palau de la Música Catalana como parte de la variopinta programación del 13 Festival Mil·leni. Venía a presentar su último EP, Cómo hacer crac (publicado en 2011 y disponible en descarga directa desde la web de Radio 3), tal vez el conjunto de canciones más reivindicativo de su carrera y al que dedicó, junto al repertorio de La Zona Sucia (2011), la mayor parte del concierto.

"Vamos a tocar canciones de amor y resistencia", espetó Vegas después de los temas iniciales, buscando y encontrando la complicidad de los asistentes. Y así fue. Acto seguido apareció su compañero en Marxophone Raül Fernández (Refree), con el que interpretó una emocionante versión de "Gallo rojo, gallo negro (Los dos gallos)", del cantautor antifranquista Chicho Sánchez Ferlosio (servidor desconocía por completo la canción y la historia de este malogrado cantautor. Vale la pena echarle un ojo al artículo de Wikipedia).

Fue la primera ovación de la noche por parte de un público que cada vez se sentía más cerca de Vegas, de sus magníficas letras y de su imaginario particular. Pero el que parecía sentirse en el Palau como en casa era el propio Nacho. Una sensación de complicidad que se debió incrementar cuando Fernando Alfaro (también amigo y compañero en Marxophone) entró en el escenario para cantar junto a él una canción tradicional minera asturiana.

Todo parecía indicar que esa no era una noche más en la larga trayectoria de Nacho. Esa era la noche en que cantaría lo que más le apeteciera (ya fuera un tema propio, una versión, un himno del folclore popular), con quién le apeteciera, del modo que le apeteciera. Como si, en vez de público, se sintiera arropado por un grupo de amigos con los que tuviera total confianza. Una bonita forma de agradecer a sus fieles seguidores todos estos años de canciones.

Tal vez los mejores momentos del concierto los encontramos en su parte final. Excelentemente acompañado por las hermanas Álvarez de Pauline en la Playa, interpretó "Taberneros" y "Perplejidad" y, para despedirse, volvió a reunir a todos los músicos que habían participado en su concierto para versionar "This Land Is Your Land". Tampoco faltaron temas claves de su discografía, como la ya clásica "La gran broma final" (incluida en la lista de Los 40 Principales de 2011) o "Ocho y medio". Pero el público, convertido ya en amigo de Vegas, se fue pidiendo más. Nos debes un bis, Nacho.

Canción de la semana: "Straight Up and Down", de The Brian Jonestown Massacre

2012-01-29T22:11:00.005+01:00

Canción: Straight Up and Down

Autor: Anton Newcombe

Intérpretes: The Brian Jonestown Massacre

Disco: Tepid Peppermint Wonderland: A Retrospective (2004)

Letra:

I try to see
Well I guess that I'm blind

It's fine with me
Cause I'm going to keep trying

And I've made disapointment
My very best friend

I wait and see
Who your going to be and when

We don't want you be yourself
You see
We want you to free yourself

It does no good to pretend
That you are free
I can not see you

I love you
But it drags me down

I never felt
Like I feel when I'm frying

I don't care
Where I'm living or I'm dying

We just want you to free yourself
You see
We want you to free yourself

It does no good to pretend
That you are me
Why don't you be you

I love you but
You drag me down

Cause I know it so well
How I never could tell
Who's my very best friend?
How I know you so well
I could make you be me.

El fin de Megaupload: ¿una oportunidad?

2012-01-27T11:42:00.006+01:00

Hace más de dos años escribí en un artículo de este mismo blog que las discográficas, ante el auge de la piratería, se daban una y otra vez contra la misma pared y parecían funcionar a ciegas. Pocos meses después, Spotify aparecía dispuesta a cambiar el consumo de música online. Y lo ha conseguido, con millones de usuarios alrededor del mundo.

El pasado 19 de enero, el FBI decidió cerrar por las buenas Megaupload, alegando que infringía las leyes del Copyright en pro del lucro personal del que ya se conoce como "Gordo de Megaupload". Un acto de hipocresía sin precedentes, pues detrás de la denuncia están los que siempre han obtenido beneficios por el Copyright - aunque, claro está, ellos se amparan en una legislación que se ha vuelto retrógrada y deficiente desde que apareció internet -.

Pero este post no tiene intención de criticar la detención y cierre de Megaupload (para esto ya hay mucha más gente y más informada). Por contra, intentaré reflexionar sobre las alternativas y caminos que se abren tras este primer bombardeo perpetrado por los grupos de presión (listados aquí), que ya ha desencadenado reacciones tan notorias como la subida a la red de los discos y películas de Sony por parte de Anonymous.

Y es que, tal y como sucedió a finales de 2009, nos encontramos ante un escenario beligerante en el que las grandes corporaciones no dan el brazo a torcer, apoyados por sus respectivos gobiernos. Afortunadamente, cada vez aparecen más y mejores proyectos que intentan poner un poco de paz y sentido común a la maltrecha "industria del entretenimiento". Ya se sabe: en internet, el fin de un servicio supone el inicio de muchos otros. Sucedió con Spotify, así que ¿por qué no puede pasar ahora?

Es evidente que los mass media apoyarán, de todas todas, cualquier acto similar al que hemos vivido estos días. De hecho, ya ha sucedido: según El Mundo, el cierre de Megaupload ha hecho que los cines se volvieran a llenar. Una información que, además de absolutamente falsa, puede llevar a conclusiones peligrosamente erróneas. Pero que nadie se equivoque: que haya cerrado Megaupload no va a suponer un incremento de ventas de discos, no va a suponer más recaudación en los cines, no va a ser la solución que esperan los magnates de la industria. Y no lo va a ser por una simple razón: la gente continuará compartiendo archivos (como siempre) hasta que hayan ofertas razonables para no hacerlo.

Así que tenemos que fijar nuestro punto de vista hacia proyectos como el americano Rdio, que ofrece música en streaming (sin publicidad) por una cuota mensual que va desde 5 hasta 10 dólares dependiendo del tipo de servicio que queramos recibir. El enfoque es similar a otros que ya conocemos, pero Rdio abarca la interacción entre usuarios de un modo más completo que cualquier otro proyecto existente. También tenemos que estar atentos al desembarque de Rhapsody y a la eclosión definitiva de Google Music. Todos ellos con planteamientos parecidos, diferenciados básicamente por la extensión de su catálogo de artistas.

La lista es larga: Biit, Splash o el interesante iCloud de Apple (aunque este último es diferente a las demás) son solo unos ejemplos de lo que está por llegar. Ejemplos que ponen de relieve la necesidad de comprender al usuario, de darle todas las facilidades posibles para que escuche (o vea, o lea, o...) tus productos, de entender que "compartir" puede dar muchos más beneficios que "comprar", y que "comprar" no tiene por qué ser nunca más un disco en formato físico.

Canción de la semana: "Padam", de Benjamin Biolay

2012-01-23T14:47:00.005+01:00

Canción: Padam

Autor: Benjamin Biolay

Intérpretes: Benjamin Biolay, Marc Chouarain, Thomas Coeuriot, Félix Sabal·leco

Disco: La Superbe (2009)

Letra:

Bien souvent je me suis réveillé avant le lever du soleil
Avant de quitter l'hôtel, engoncé dans mon complet croisé
Si souvent, j'ai gardé pour moi mes vicissitudes et mes vices
Et tourments, tournis, turpitudes, l'horreur d'un souvenir passé

J'attendais en vain que le monde entier m'acclame
Qu'il me déclare sa flamme dans une orgie haut de gamme
Padam padam padam padam pam pam

Souvent, je me suis pris pour un autre et j'ai fait des doubles fautes
Double sec, double dose, double dame avec les femmes d'un autre
Plus souvent qu'à mon tour j'ai bu le sang des vautours
J'ai cru les gens qui m'entourent qui rêvent de bonheur
Mais se foutent éperdument du nôtre

J'attendais en vain que le monde entier m'acclame
Qu'il me déclare sa flamme dans une orgie haut de gamme
Padam padam padam padam pam pam

Si, souvent, sur la sellette, je rêvais de paillettes
Long est le chemin qui mène à la faillite en presque tous les domaines
Si, souvent, j'ai broyé du noir, du gris
Du magenta, du marc, de l'eau-de-vie
De l'art de vivre sans personne qui t'aime

J'attendais en vain que le monde entier m'acclame
Qu'il me déclare sa flamme dans une orgie haut de gamme
Padam padam padam padam pam pam.

Trombone Shorty: For True

2012-01-19T14:58:00.005+01:00

Que el ritmo corre por las venas de Troy Andrews (aka Trombone Shorty) quedó muy claro con su anterior álbum, el imprescindible Backatown (2010), gracias al cual alcanzó una relativa popularidad a nivel internacional. Su continuación, titulada For True (2011), volvió a situarlo en lo más alto con los mismos ingredientes: funk, jazz, rock, hip hop y una gran cantidad de talento.

Y es que es necesario tener mucho talento para atreverse a hacer lo que hace Trombone Shorty. No puede evitar ser de Nueva Orleans, y eso se nota. Su dominio del trombón, su instrumento principal, es incuestionable, mientras que en For True también se atreve con la trompeta, el órgano, la batería y muchos otros. Y canta, claro está. Quizás mejor que nunca.

Arropado por esos explosivos músicos apodados Orleans Avenue, Trombone Shorty empieza For True tal y como acabó Backatown: "Buckjump" tiene ritmos contundentes, urbanos, sobre los que improvisar. En "Encore" se encuentra la primera colaboración estelar: la del legendario guitarrista Warren Heynes (ex-The Allman Brothers), para luego pasar al tema instrumental que da título al álbum. En "Do To Me", tal vez la canción con más espíritu de single, hay un solo de otro guitarrista de leyenda: nada más ni nada menos que Jeff Beck.

"The Craziest Things" muestra la capacidad de Trombone Shorty para componer grandes temas que podrían aparecer en las radios de medio mundo si el mundo funcionara de otra manera. "Dumaine St." vuelve a conectarnos con el citado Backatown, mientras que en "Mrs. Orleans" vuelve otro colaborador de renombre, el multidisciplinar Kid Rock. A la fiesta se apuntan también los Neville Brothers ("Nervis"), Ledisi ("Then There Was You") y Lenny Kravitz ("Roses"), considerado el principal mentor de Troy Andrews.

For True y Backatown son dos de los discos más refrescantes de los últimos tiempos. No os los perdáis, y tampoco le perdáis la vista a Trombone Shorty, porque la fiesta acaba de empezar.

Puedes escuchar For True de Trombone Shorty en Spotify.

Canción de la semana: "No mires a los ojos de la gente", de Golpes Bajos

2012-01-15T22:27:00.003+01:00

Canción: No mires a los ojos de la gente

Autores: Teo Cardalda, German Coppini

Intérpretes: Golpes Bajos

Disco: Golpes Bajos (1983)

Letra:

No mires a los ojos de la gente,
me dan miedo, mienten siempre.
No salgas a la calle cuando hay gente,
¿y si no vuelves? ¿Y si te pierdes?

Escóndete en el cuarto de los huéspedes,
con todo a oscuras no pueden verte.
Las calles se van llenando de gente,
en mi escondite puedes quererme.

Puedes quererme.

Quédate a mi lado,
no lo pienses más.

No mires a los ojos de la gente,
me dan miedo, mienten siempre.
No salgas a la calle cuando hay gente,
¿y si no vuelves? ¿Y si te pierdes?

¿Y si te pierdes?

Escóndete en el cuarto de los huéspedes,
con todo a oscuras no pueden verte.
Las calles se van llenando de gente,
en mi escondite puedes quererme.

Puedes quererme.

Quédate a mi lado,
no lo pienses más.

[No Indie] The Black Eyed Peas: Elephunk

2012-01-13T21:11:00.003+01:00

Olvida la imagen que tienes de los Black Eyed Peas actuales. Olvida lo mal que te cae Will.I.Am. Deja los “Boom Boom Pow” y los “I Gotta Feeling” a un lado. Entonces, solo entonces, empieza a escuchar Elephunk (2003), el álbum que les encumbró como uno de los grupos más exitosos del siglo XXI, con millones de discos vendidos alrededor del mundo.

Continúa leyendo la reseña de Elephunk de The Black Eyed Peas en Dímelorápido

Laura Nyro: Eli and the Thirteenth Confession

2012-01-10T15:05:00.005+01:00

Laura Nyro fue una de las compositoras pop más importantes del siglo pasado, aunque su nombre no sea recordado como se merece (imperdonable olvido que sucede muy especialmente en nuestro país). Autora de canciones legendarias en forma de encargo para famosos artistas que van desde Barbra Streisand hasta Peter, Paul & Mary, Nyro también tuvo una carrera propia en la que destacan álbumes como New York Tendaberry (1969), Christmas and the Beads of Sweat (1970) o el que nos ocupa ahora, Eli and the Thirteenth Confession (1968).

Es en Eli and the Thirteenth Confession donde encontramos la que tal vez sea la mejor colección de canciones de Nyro, que nos descubre su innegable talento compositivo e interpretativo. Se publicó en una época de gran creatividad, en la que se empezaba a experimentar con nuevas vías para la música (1968 es el año del White Album de The Beatles, del White Light/White Heat de The Velvet Underground o del Waiting For The Sun de The Doors) y la cantante estadounidense enseñó el camino a seguir en el género que más dominaba: el pop.

Y es que Nyro entendía el pop como una mezcla de jazz, soul, funk, country y R&B. Y Eli and the Thirteenth Confession tiene todos los elementos de esta fórmula elevados a la máxima potencia, acompañados además por una pincelada teatral y operística. Una mezcla que dignificó como ninguna otra un género demasiado maltrecho a lo largo del tiempo.

La personalidad de Nyro se ve reflejada desde el primer segundo del disco (literalmente), cuando empieza "Luckie", un tema que coquetea con el jazz para afrontar un primerizo R&B. A partir de ahí se suceden, una tras otra, auténticas joyas que nunca deberían caer en el olvido: la folk "Poverty Train", la completísima "Eli's Comin'", la casi-góspel "Sweet Blindness" o la simplemente genial "Stoned Soul Picnic" (estas dos últimas popularizadas posteriormente por The 5th Dimension) son sólo algunas muestras.

Eli and the Thirteenth Confession es un álbum que nos recuerda la época en la que se creaban grandes canciones, con especial atención y mimo a los arreglos y a las melodías. Un método de componer e interpretar que, lamentablemente, parece que se va perdiendo día a día.

Puedes escuchar Eli and the Thirteenth Confession de Laura Nyro en Spotify.

Los 40 Principales del 2011. El álbum

2011-12-24T17:47:00.005+01:00

(haz clic en la imagen para disfrutar de tu regalo de Navidad)

Después de recopilar, durante 4 entradas, los 40 Principales de este 2011, y desgranar todos los por qué de mi elección, ha llegado la hora de entregarlos como regalito de Navidad para que podáis disfrutarlos tranquilamente.

Vamos a recordar cuáles son las canciones seleccionadas. También las dejo en Spotify (menos dos temas que todavía no han incluido en su catálogo).

01) R.E.M.: "Überlin"
02) The Black Keys: "Lonely Boy"
03) Girls: "Vomit"
04) Bon Iver: "Towers"
05) Adele: "Rolling in the Deep"
06) Metronomy: "The Bay"
07) Black Lips: "Modern Art"
08) tUnE-yArDs: "Bizness"
09) M83: "Midnight City"
10) Manel: "Benvolgut"
11) Lykke Li: "I Follow Rivers"
12) Zomby: "Natalia's Song"
13) Björk: "Crystalline"
14) Cults: "Go Outside"
15) Danger Mouse & Daniele Luppi (feat. Norah Jones): "Black"
16) The Weeknd: "House Of Balloons / Glass Table Girls"
17) Nacho Vegas: "La gran broma final"
18) Destroyer: "Blue Eyes"
19) Florence + The Machine: "Shake It Out"
20) Azari & III: "Into The Night"
21) Antònia Font: "Es far de ses Salines"
22) PJ Harvey: "The Words That Maketh Murder"
23) James Blake: "Wilhelms Scream"
24) Christina Rosenvinge: "Canción del Eco"
25) Tom Waits: "Bad As Me"
26) Fleet Foxes: "Grown Ocean"
27) Wilco: "Art Of Almost"
28) Radiohead: "Lotus Flower"
29) Vetusta Morla: "Maldita dulzura"
30) Modeselektor (feat. Thom Yorke): "Shipwreck"
31) The War on Drugs: "Baby Missiles"
32) Justice: "Civilization"
33) Kitty, Daisy and Lewis: "I'm So Sorry"
34) Iron & Wine: "Walking Far From Home"
35) Kurt Vile: "Jesus Fever"
36) Beirut: "East Harlem"
37) Battles (feat. Gary Numan): "My Machine"
38) Buika: "Por el amor de amar"
39) Foo Fighters: "Walk"
40) Death Cab For Cutie: "You Are a Tourist"

¡Felices fiestas on the rocks!

Los 40 Principales del 2011 (y IV)

2011-12-22T20:16:00.005+01:00

10) "Benvolgut", de Manel
Porque han logrado despejar todas las posibles dudas: son el grupo de referencia del pop en catalán.

09) "Midnight City", de M83
Por todo esto.

08) "Bizness", de tUnE-yArDs
Por luminoso, por original, por su final. Ah, y por su videoclip.

07) "Modern Art", de Black Lips
Porque algunas canciones no tienen por qué durar más de dos minutos para dejarte completamente flipado.

06) "The Bay", de Metronomy
Porque han sabido reinventarse (ellos SÍ). Por divertidos. Porque The English Riviera es uno de los discos imprescindibles de este 2011.

05) "Rolling in the Deep", de Adele
Porque es la voz. Porque nos emociona a todos. Por darle prestigio al mainstream.

04) "Towers", de Bon Iver
Porque todo lo que toca lo convierte en oro. Porque representa al folk de la nueva generación. Porque sin él nos sentiríamos un poco más solos.

03) "Vomit", de Girls
Porque Father, Son, Holy Ghost es el disco del año. Y lo es por canciones como esta.

02) "Lonely Boy", de The Black Keys
Porque es contagiosa. Porque me siento igual que el protagonista de su videoclip (sin su estilazo, claro está). Porque cuando la escuchas por primera vez sabes que la tienes que compartir.

01) "Überlin", de R.E.M.
Porque nos dijeron adiós con un alegato a favor de la imaginación. Porque es la canción que más veces he escuchado este año.

Los 40 Principales del 2011 (III)

2011-12-21T22:33:00.005+01:00

20) "Into The Night", de Azari & III
Porque son capaces de animar cualquier fiesta. También por el remix que hizo el gran Nicolas Jaar, otra de las sorpresas de este año.

19) "Shake It Out", de Florence + The Machine
Por haber confirmado que es una auténtica diva indie. Por esa voz que une lo mejor de Adele y Kate Bush.

18) "Blue Eyes", de Destroyer
Por el pop bien entendido, que nos recuerda toda la música que se hacía 30 años atrás.

17) "La gran broma final", de Nacho Vegas
Porque sigue siendo uno de los cantautores más inspirados e inspiradores de nuestro país.

16) "House of Balloons/Glass Table Girls", de The Weeknd
Porque ha sido el debut más sonado e irreverente de este 2011. Porque el R&B puede molar.

15) "Black", de Danger Mouse & Daniele Luppi (feat. Norah Jones)
Por conseguir que viéramos una película escuchando su maravilloso álbum Rome. Por una producción clásica y llena de elegancia. Por elegir a Norah Jones y a Jack White.

14) "Go Outside", de Cults
Por alegrarnos cualquier día.

13) "Crystalline", de Björk
Porque siempre va un paso por delante, ajena a cualquier crítica. Por ese apoteósico minuto final.

12) "Natalia's Song", de Zomby
Por haber publicado el disco de música electrónica del año.

11) "I Follow Rivers", de Lykke Li
Porque es imposible no caer rendido a su facilidad de enamorarte.

Los 40 Principales del 2011 (II)

2011-12-20T23:14:00.004+01:00

30) "Shipwreck", de Modeselektor (feat. Thom Yorke)
Porque si había una manera de superar su loca propuesta era con otro loco como Thom.

29) "Maldita dulzura", de Vetusta Morla
Porque han demostrado que, efectivamente, no eran un hype.

28) "Lotus Flower", de Radiohead
Porque The King Of Limbs no será su disco más recordado, pero nos han regalado el videoclip del año.

27) "Art Of Almost", de Wilco
Porque lo mejor de The Whole Love se encuentra al principio.

26) "Grown Ocean", de Fleet Foxes
Porque los clásicos del folk norteamericano seguro que están orgullosos cada vez que los escuchan.

25) "Bad As Me", de Tom Waits
Porque tiene 62 años y continúa en plena forma. Esperamos que por muchos más.

24) "Canción del Eco", de Christina Rosenvinge
Por el "Te quiero" más original escuchado en años.

23) "Wilhelms Scream", de James Blake
Por haber revolucionado el mundo de la música electrónica. Por conseguirlo con tan sólo 23 años.

22) "The Words That Maketh Murder", de PJ Harvey
Porque siempre podemos confiar en Polly Jean. SIEMPRE.

21) "Es far de Ses Salines", de Antònia Font
Por uno de los regresos más esperados. Por una canción magnífica. Por un disco sublime.

Los 40 Principales del 2011 (I)

2011-12-19T23:45:00.007+01:00

40) "You Are a Tourist", de Death Cab For Cutie
Porque, aunque su Codes and Keys nos ha dejado bastante fríos, los DCFC aún son capaces de componer temazos.

39) "Walk", de Foo Fighters
Porque han firmado uno de los discos rock más redondos del año.

38) "Por el amor de amar", de Buika
Porque tiene una de las voces con más personalidad de nuestro país. Y porque es de lo mejor de La Piel que Habito.

37) "My Machines" de Battles (feat. Gary Numan)
Porque la música es matemática y, en manos de Battles, también un poco de locura.

36) "East Harlem", de Beirut
Porque Zach Condon continúa teniendo el talento innato de cantar, componer y ponernos la piel de gallina.

35) "Jesus Fever", de Kurt Vile
Porque lo más difícil es escribir canciones atemporales.

34) "Walking Far Frome Home", de Iron & Wine
Porque Sam Beam sigue siendo uno de los mejores cantautores de los últimos 10 años.

33) "I'm So Sorry", de Kitty, Daisy & Lewis
Porque han conseguido lo que parecía imposible: superar su álbum de debut demostrando que lo suyo no es tan solo el rockabilly.

32) "Civilization", de Justice
Porque es de justicia reivindicarlos después de todas las críticas recibidas.

31) "Baby Missiles", de The War on Drugs
Porque si ser cool significa que te guste esto, entonces mola ser cool.

Escépticos. Cuando el rock se pasa a la TV

2011-12-13T21:05:00.008+01:00

Si el rock es transgresión, ir a contracorriente, entonces la serie documental Escépticos, del gran Jose A. Pérez, es muy rock. Porque, acostumbrados a una televisión llena de falsas verdades, de informaciones a medias, de publicidad que vende humo demasiadas veces (aunque es ilegal anunciar tabaco), Escépticos se plantea llegar hasta el fondo de cuestiones típicamente discutidas y discutibles.

¿Fuimos realmente a la Luna? ¿Son las ondas Wi-Fi el origen de enfermedades y cánceres? ¿Existen los productos "milagro"? Son preguntas que han propiciado animadas tertulias y teorías infundadas, propagadas por los propios medios de comunicación y frecuentemente con intereses económicos de por medio.

En este sentido, la voluntad de Escépticos no es otra que dar algunas respuestas y argumentos gracias al conocimiento de expertos (mayoritariamente científicos), que aportan su esclarecedor punto de vista para que el espectador pueda tener una opinión más formada y no caiga en engaños.

Con un estilo fresco y muy entretenido - al que contribuye en gran medida el excelente trabajo del presentador Luis Alfonso Gámez - Escépticos habla de temas polémicos sin ningún tapujo o censura. Es admirable la actitud también rockera de EITB, la televisión pública (no hay que olvidarlo) vasca, que ha dado el visto bueno a un programa que se ha atrevido a abordar cuestiones tan espinosas como la eficacia de la homeopatía, el negocio farmacéutico o las cremas que "rejuvenecen".

La serie documental acaba de terminar sus primeros 13 episodios y, según su autor, no habrá segunda temporada pero "pronto habrá noticias de alcance nacional". Esperemos que sea así porque, de lo contrario, perderíamos una gran estrella del rock televisivo, mucho más transgresora que muchas de las estrellas del rock musical.

Puedes ver los trece capítulos de Escépticos en su web. Cuelgo aquí el primero, "¿Se llegó a la Luna?", uno de los más interesantes y con el que me llevé una gran sorpresa.

Canción de la semana: "Lonely Boy", de The Black Keys

2011-12-07T22:33:00.005+01:00

Canción: Lonely Boy

Autores: Dan Auerbach, Patrick Carney

Intérpretes: The Black Keys

Disco: El Camino (2011)

Letra:

Well I'm so above you
And it's plain to see
But I came to love you anyway

So you pulled my heart out
And I don't mind leavin'
Any old time you keep me waiting, waiting, waiting

Oh oh oh oh, I got a love that keeps me waiting
Oh oh oh oh, I got a love that keeps me waiting
I'm a lonely boy, I'm a lonely boy
Oh oh oh oh, I got a love that keeps me waiting

Well your mama kept you
But your daddy left you
And I should've done you just the same

But I came to love you
Am I going to bleed?
Any old time you keep me waiting, waiting, waiting

Oh oh oh oh, I got a love that keeps me waiting
Oh oh oh oh, I got a love that keeps me waiting
I'm a lonely boy, I'm a lonely boy
Oh oh oh oh, I got a love that keeps me waiting

Oh oh oh oh, I got a love that keeps me waiting
Oh oh oh oh, I got a love that keeps me waiting
I'm a lonely boy, I'm a lonely boy
Oh oh oh oh, I got a love that keeps me waiting

[No Indie] Lenny Kravitz: Let Love Rule

2011-12-05T21:19:00.002+01:00

Recientemente la revista Rolling Stone ha elegido al legendario Jimi Hendrix como el mejor guitarrista de todos los tiempos (puedes leer el artículo aquí). Entre la multitud de músicos y periodistas especializados que han realizado la votación, encontramos a Lenny Kravitz, que no figura en la lista de los mejores guitarristas, aunque en otro tiempo pareció que podía aspirar a convertirse, él también, en leyenda.

Continúa leyendo la reseña de Let Love Rule de Lenny Kravitz en Dímelorápido

Contracrítica: Infinite Arms, de Band Of Horses

2011-12-04T20:07:00.006+01:00

Aún recuerdo la agridulce sensación general ante el tercer disco de Band Of Horses, Infinite Arms (2010). La palabra "decepción", en mayor o menor medida, estaba presente en boca de muchos, mientras otros lo recibieron con el entusiasmo mostrado en las dos entregas anteriores del cuarteto de Seattle. Una disparidad de opiniones que, como no podía ser de otra manera, también quedó reflejada en los medios especializados: 5,3 en Pitchfork, 6,0 en Hipersónica, 3,5/5 en Mondosonoro, 4/5 en Allmusic, 8 en NME o una valoración muy positiva en Uncut, por poner algunos ejemplos.

Por mi parte, cada vez tengo menos dudas. Solo con darle el play a Infinite Arms y escuchar la emocionante melodía inicial de "Factory", puedo afirmar que se trata de un disco magnífico y, muy probablemente, el más completo de Band Of Horses. En él, muestran todo su repertorio de estilos y lo juegan con la madurez de una banda que conoce sus mejores cartas. Desde el rock country de "Compliments" hasta la preciosista -y preciosa- "On My Way Back Home", este álbum destila calidad en todas sus composiciones.

La imagen de la portada resume, en cierta medida, el sonido que nos encontramos en Infinite Arms: oscuro y nocturno, pero también brillante e inspirador. Hay, como de costumbre, multitud de referencias al rock americano de raíces clásicas ("Blue Beard", "Older"), así como rápidos ritmos que pueden coger desprevenido al oyente poco acostumbrado a las sorpresas ("NW Apt."). Evidentemente, también se guardan ases en la manga en forma de potenciales singles ("Laredo" o la ya citada "Compliments").

No obstante, si por algo destaca Infinite Arms es por su espectacular parte vocal, liderada por un sobresaliente Benjamin Bridwell, al que acompañan los demás miembros de la formación. Un auténtico ejercicio armónico y coral, que ya se intuía en los recomendables Everything All The Time (2006) y Cease To Begin (2007), pero que en el último álbum de Band Of Horses sienta precedente y nos acaba de confirmar su incalculable valor.

Puedes escuchar Infinite Arms de Band Of Horses en Spotify.

Un gobierno en funciones no puede aprobar la ley Sinde

2011-12-02T12:11:00.004+01:00

Ante la previsible aprobación de la polémica “Ley Sinde”, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de Internet seguimos manifestando –como hicimos en el Manifiesto de 2 de Diciembre de 2009- nuestra firme oposición a una norma que incluye modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet.

En principio no parece de recibo que un Gobierno en funciones adopte esta decisión en su último o uno de sus últimos Consejos de Ministros. Sería doblemente grave que se confirmaran las presiones ejercidas por EEUU, a través de su embajada en Madrid, como revelaron los cables de Wikileaks.

En todo caso insistimos en estos razonamientos:

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

"Midnight City", de M83: De cuando nos creímos héroes

2011-11-28T18:37:00.014+01:00

Uno de los discos que seguro no faltará en las listas de "lo mejor del año" es Hurry Up, We're Dreaming (2011) de M83, el proyecto musical liderado por el francés Anthony Gonzalez. Entre la multitud de espléndidas canciones que componen este doble álbum, "Midnight City" es, sin lugar a dudas, el tema más destacado, y supone una auténtica regresión al pasado. Un pasado no muy lejano, de cuando a la música pop le dio por llenar las composiciones de sintetizadores, teclados, baterías con reverberaciones y múltiples efectos de voz.

"Midnight City" no engaña. Desde el principio un loop nos avisa, como si de una alarma se tratara, que estamos ante un viaje que nos transportará hasta los años 80. Se unen entonces todos los demás componentes y empieza una explosión de matices, de emocionantes melodías que se quedan para siempre en la memoria de quien las escucha. En ese preciso instante, se produce un inquietante silencio de décimas de segundo y aparece la parte vocal, mucho más austera (apenas la acompañan la batería y la línea de bajo) y que, sin darnos tiempo para coger aire, nos vuelve a llevar casi de inmediato a otra explosión.

En "Midnight City" no hay un estribillo al uso, pero sí que hay otros dos elementos típicos de los 80. El primero sucede más o menos a la mitad de la canción, cuando da comienzo un intenso crescendo que hará las delicias de las pistas de baile y que culmina, precisamente, con el segundo elemento: el solo de saxo. Un saxo que aquí no cobra el protagonismo de antaño, pero que aporta el color necesario para despejarnos todas las dudas y nos ayuda a pensar que, durante 4 minutos, hemos podido viajar en el tiempo.

El fantástico (en todos los sentidos) videoclip de "Midnight City" es obra de Fleur & Manu, de Division Paris. Según ellos, es un homenaje a Village of the Damned, Close Encounters of the Third Kind y Akira, aunque los fans de Fringe verán, tal vez, otro homenaje.

Más hielo para el Whisky

2011-11-28T13:38:00.007+01:00

Después de una resaca tal vez demasiado larga (ya hace casi dos años del último post publicado), hoy puedo decir que, al fin, vuelve Whisky On The Rocks. Y vuelve con importantes novedades -dos importantes novedades, para ser más concreto-.

En primer lugar, he ajustado el diseño del blog para hacerlo más nítido y estructurado. Espero que os guste.

Además, y demostrando una modernez sin precedentes, he creado una página en Facebook y un perfil en Twitter desde donde podréis seguir todas las novedades del Whisky.

Ah. Evidentemente, los posts que había hasta ahora en el blog siguen ahí. Los podéis encontrar utilizando el buscador o en el apartado "Archivo del blog" del menú de la derecha.

Nada más.

¡Bienvenidos de nuevo o bienvenidos por primera vez!

Canción de la semana: "Evidence", de Faith No More

2010-02-14T23:34:00.003+01:00

Canción: Evidence

Autores: M. Patton, B. Gould, M. Bordin, T. Spruance

Intérpretes: Faith No More

Disco: King for a Day... Fool for a Lifetime (1995)

Letra:

If you want to open your hole
Just put your head down and go
Step beside the piece of the circumstance
Got to wash away the taste of evidence
Wash it away

I didn't feel a thing
It didn't mean a thing
Look in the eye and testify
I didn't feel a thing

Anything you say, we know you're guilty
Hands above your head,
and you won't even feel me
You won't feel me

I didn't feel a thing
It didn't mean a thing
Look in the eye and testify
I didn't feel a thing

I didn't feel a thing
You didn't mean a thing
Look in the eye and testify
I didn't feel a thing

Canción de la semana: "Hey Man (Now You're Really Living)", de Eels

2010-02-06T17:25:00.004+01:00

Canción: Hey Man (Now You're Really Living)

Autor: E (Mark Oliver Everett)

Intérpretes: Eels

Disco: Blinking Lights and Other Revelations (2005)

Letra:

Do you know what it's like to fall on the floor
And cry your guts out 'til you got no more
Hey man now you're really living

Have you ever made love to a beautiful girl
Made you feel like it's not such a bad world
Hey man now you're really living

Now you're really giving everything
And you're really getting all you gave
Now you're really living what
This life is all about

Well i just saw the sun rise over the hill
Ever used to give me much of a thrill
But hey man now i'm really living

Do you know what it's like to care too much
'bout someone that you're never gonna get to touch
Hey man now you're really living

Have you ever sat down in the fresh cut grass
And thought about the moment and when it will pass
Hey man now you're really living

Now you're really giving everything
And you're really getting all you gave
Now you're really living what
This life is all about

Now what would you say if i told you that
Everyone thinks you're a crazy old cat
Hey man now you're really living

Do you know what it's like to fall on the floor
And cry your guts out 'til you got no more
Hey man now you're really living

Have you ever made love to a beautiful girl
Made you feel like it's not such a bad world
Hey man now you're really living

People, sing
Do you know what it's like to fall on the floor
Cry your guts out 'til you got no more
Hey man now you're really living

Just saw the sun rise over the hill
Never used to give me much of a thrill
Hey man now i'm really living

2000-2009: La banda sonora de una década (V)

2010-02-02T23:20:00.004+01:00

The Decade in News Photographs, de The Big Picture: Una multitud de percusionistas tocan durante la Ceremonia Inaugural de los JJ.OO. en Beijing 2008. Getty Images / Adam Pretty

Capítulo 3. La herencia del grunge y las súper bandas. (2)

(para leer la primera parte de este capítulo, haz clic aquí)

El mismo Mike Patton también fue, aunque muy a su pesar, uno de los precursores de la oleada de grupos etiquetados bajo el polémico e impreciso paraguas del nu metal, caracterizado por la fusión del rock con estilos como el rap o el funk. De este subgénero creado en los 90 han perdurado más bien pocas propuestas destacables. Entre ellas, Incubus, Deftones y System Of A Down (SOAD).

Los californianos Incubus, liderados por Brandon Boyd, han evolucionado y modificado su sonido durante la década 2000-2009, alejándose de sus contundentes inicios para acercarse cada vez más a canciones de pop-rock "convencional", sin dejar de lado una personalidad forjada en casi 20 años de carrera. Se trata de un ejemplo paradigmático de continua transformación, que se hace patente en sobresalientes discos como Make Yourself (2000) o A Crow Left Of The Murder (2004).
En cambio, Deftones han mantenido intacta su versión más oscura del nu metal - que ya presentaron a mediados de los 90 con el influyente debut Adrenaline (1995) -, aunque han ido creciendo en cada entrega para acabar conformando una de las bandas más relevantes e indispensables del rock actual. Y es que los de Chino Moreno han facturado dos de los álbumes más exitosos de esta década: el claroscuro White Pony (2000) y el autorreferencial Deftones (2003).
A los separados-pero-no-disueltos SOAD el éxito les llegó en 2001, con la publicación de Toxicity, el que tal vez sea su disco más redondo hasta la fecha. Sus constantes cambios de ritmo, sus incontestables riffs y alguna que otra melodía pegadiza convirtieron este álbum en un clásico del género, y a canciones como "Chop Suey" en uno de los temas más escuchados de los últimos años. En 2005, SOAD editaron un ambicioso proyecto en formato doble disco, Mezmerize y Hypnotize, que recibió excelentes críticas del público y de la prensa especializada.

De las múltiples tendencias musicales que han resurgido durante la primera década del Siglo XXI, hay dos especialmente fructíferas que hacen referencia al rock y que están entrelazadas entre sí: la vuelta al sonido de los 70 y el garaje. Tal vez los grupos que mejor representan este regreso a los orígenes son, por una parte, The White Stripes, The Black Keys y The Strokes y, por otra parte, The Darkness y Mother Superior.

El famoso dúo Jack - Meg White (The White Stripes), así como el que forman Dan Auerbach y Patrick Carney (The Black Keys), practican rock con fuertes influencias del blues, ambos con instrumentaciones y grabaciones tan rudimentarias como efectivas. De los primeros destacan su impactante White Blood Cells (2001), su consagración Elephant (2003) y sus inolvidables canciones "Fell in Love with a Girl" y "Seven Nation Army". En cuanto a The Black Keys, se hace necesario mencionar sus sobresalientes Thickfreakness (2003) y Rubber Factory (2004), álbumes que no deberían faltar en la discoteca de ningún rockero que se precie. The Strokes, aunque más cercanos al indie que al sonido bluesero de las dos parejas anteriores, comparten el mismo espíritu revival. Y les ha ido medianamente bien: los discos Is This It (2001) y Room On Fire (2003) están repletos de canciones-himno, mientras que su última entrega, First Impressions of Earth (2006), no deja claro qué camino seguirán ni si serán capaces de repetir los éxitos logrados antaño.
Por otra parte, el auténtico sonido rock de los 70 volvió, por un período de tiempo quizás demasiado breve, con los olvidados The Darkness. La particular voz de Justin Hawkins y las brillantes composiciones que formaron Permission To Land (2003) y One Way Ticket to Hell... And Back (2005) les catapultaron automáticamente a lo más alto del rock británico. Lamentablemente, su ascenso fue tan rápido como su separación. Pero no todo está perdido para los aficionados al rock más añejo: mientras los estadounidenses Mother Superior sigan en pie, hay esperanza.

Y, viendo en perspectiva la década 2000-2009, podemos confirmar que también hay esperanza para el futuro del rock más contundente. Nuevas bandas con nuevos discursos, como The Mars Volta o Biffy Clyro, nuevas bandas con discursos no innovadores pero de gran calidad, como Dredg, o bandas que no son nuevas pero que siempre tienen discursos interesantes, como Nine Inch Nails o Cave In, garantizan la buena salud de un género que aún tiene mucho que decir.

Canción de la semana: "Black Or White", de Dick Brave & The Backbeats

2010-01-31T17:55:00.004+01:00

Canción: Black Or White

Autor: Michael Jackson

Intérpretes: Dick Brave & The Backbeats

Disco: Dick This (2003)

Letra:

I took my baby
On a Saturday bang
Boy is that girl with you
Yes we're one and the same

Now I believe in miracles
And a miracle
Has happened tonight

But
If you're thinkin'
About my baby
It don't matter if you're
Black or white

They print my message
In the Saturday Sun
I had tell them
I ain't second to none

And I told about equality
And it's true
Either you're wrong
Or you're right

But
If you're thinkin'
About my baby
It don't matter if you're
Black or white

I took my baby
On a Saturday bang
Boy is that girl with you
Yes we're one and the same

Now I believe in miracles
And a miracle
Has happened tonight

But
If you're thinkin'
About my baby
It don't matter if you're
Black or white

Canción de la semana: "A Cheater's Armoury", de Hanne Hukkelberg

2010-01-23T13:41:00.003+01:00

Canción: A Cheater's Armoury

Autora e intérprete: Hanne Hukkelberg

Disco: Rykestraße 68 (2006)

Letra:

All above board,
And we see nothing at all.
Clean and empty hands,
But still there’s something lurking.
We believe you when you lie
Buy your word, -then you deny,
Pay your wealth, -you leave us high and dry

You gamester,
You tell us our
Fortunes by your cards
And you’re rubbing
Yourself deep
Into our wounds.

You gamester
You fool us
We watch your spinning wheel
And we scratch
And we itch,
And the longer it
Takes for us
To heal.

You promise ten birds
-In the bush,
Each and every sunday
Sell your ”letters of indulgens”
We believe you when you lie
Buy your word, -then you deny,
Pay your wealth, -you leave us high and dry
A cheater’s armoury

All you’ve got
Is shifty eyes,
A black dress,
A false name.

Canción de la semana: "Mrs. Robinson", de Simon and Garfunkel

2010-01-16T12:58:00.005+01:00

Canción: Mrs. Robinson

Autor: Paul Simon
Intérpretes: Simon and Garfunkel

Disco: The Graduate (1968)

Letra:

And here's to you, Mrs. Robinson
Jesus loves you more than you will know
(Wo, wo, wo)
God bless you please, Mrs. Robinson
Heaven holds a place for those who pray
(Hey, hey, hey... Hey, hey, hey)

We'd like to know a little bit about you for our files
We'd like to help you learn to help yourself
Look around you, all you see are sympathetic eyes
Stroll around the grounds until you feel at home

And here's to you, Mrs. Robinson
Jesus loves you more than you will know
(Wo, wo, wo)
God bless you please, Mrs. Robinson
Heaven holds a place for those who pray
(Hey, hey, hey... Hey, hey, hey)

Hide it in a hiding place where no one ever goes
Put it in your pantry with your cupcakes
It's a little secret, just the Robinsons' affair
Most of all, you've got to hide it from the kids

Coo, coo, ca-choo, Mrs Robinson
Jesus loves you more than you will know

(Wo, wo, wo)
God bless you please, Mrs. Robinson
Heaven holds a place for those who pray
(Hey, hey, hey... Hey, hey, hey)

Sitting on a sofa on a Sunday afternoon
Going to the candidates debate
Laugh about it, shout about it
When you've got to choose
Every way you look at it, you lose

Where have you gone, Joe DiMaggio
A nation turns its lonely eyes to you

(Wo, wo, wo)
What's that you say, Mrs. Robinson
Joltin' Joe has left and gone away
(Hey, hey, hey... Hey, hey, hey)

Canción de la semana: "Trampled Rose", de Tom Waits

2010-01-10T23:46:00.004+01:00

Canción: Trampled Rose

Autor e intérprete: Tom Waits

Disco: Glitter and Doom Live (2009)

Letra:

Long way going to
Get my medicine
Sky's the autumn grey of
A lonely wren

Piano from a window played
Gone tomorrow, gone
Yesterday

I found it in the street
At first I did not see
Lying at my feet a
Trampled rose

Passing the hat in church
It never stops going round

You never pay just once
To get the job done

What I done to me, I done
To you,
What happened to
The trampled rose?

In the muddy street, with
The fireworks and leaves

A blind man with a cup I asked
Would he play "Kisses Sweeter

Than Wine"

I know that rose like I
Know my name, the
One I gave my love
It was the same, now
I find it in the street
A trampled rose

2000-2009: La banda sonora de una década (IV)

2010-01-07T20:19:00.010+01:00

Fotos de la década de la Agencia Reuters: Manifestantes mostrando carteles de protesta detrás de Richard Fuhl, presidente y director ejecutivo de Lehman Brothers Holdings. REUTERS / Jonathan Ernst

Capítulo 3. La herencia del grunge y las súper bandas. (1)

Si hay un movimiento musical y social que define la década de los 90, éste es el grunge. Con Kurt Cobain como protagonista involuntario y Estados Unidos como escenario principal, la cultura del underground fue ganando cada vez más adeptos y sus bandas y cantantes proliferaron a un ritmo vertiginoso: Soundgarden, Mudhoney, Pearl Jam... De hecho, sólo es necesario recordar que, en casi todas las listas de discos de la época, el influyente Nevermind (1991) ocupa la primera posición como álbum más representativo.

Por otra parte, los 90 también llevaron, de la mano de grupos como Faith No More (FNM), Rage Against the Machine (RATM), Jane's Addiction o Red Hot Chili Peppers, la mezcla del rock más agresivo con ritmos procedentes del funk, rap, hip-hop, etc.

Contra todo pronóstico, entre el 2000 y el 2009, esa ebullición de estilos y personalidades ha derivado en un estancamiento del que más bien pocos han podido sobresalir.

A principios de la década 2000-2009, la herencia grunge de los 90 se dio suculentos caprichos que generaron, tal vez, demasiadas expectativas. Mientras el ex Nirvana Dave Grohl cosechaba grandes éxitos con su banda Foo Fighters - especialmente gracias a One By One (2002) -, Chris Cornell (ex vocalista de Soundgarden) y miembros de RATM se reunían para formar Audioslave, autores de verdaderas canciones-himno ("Like A Stone" o "Be Yourself") y destacables álbumes como su debut homónimo publicado en 2002. Sin embargo, la trayectoria de Audioslave fue de mal en peor, hasta llegar a su cantada y definitiva disolución en 2007.

Suerte bien diferente es la que han corrido Pearl Jam, a los que se les puede considerar como únicos supervivientes del espíritu grunge más añejo. Después de un inicio de década más bien crítico, Eddie Vedder y los suyos recuperaron su mejor versión y editaron, en 2006, el magnífico y contundente Pearl Jam, que hizo devolver la esperanza a los más agnósticos. Además, el propio Vedder se encargó de componer e interpretar la banda sonora de la película de Sean Penn Into the Wild (2007), por la que se llevó el Globo de Oro a la mejor canción original y en la que mostró una faceta muy distinta de su música, más cercana al folk. Otro de los conjuntos que han dejado un buen sabor de boca durante esta diez años han sido Queens of the Stone Age (QOTSA).

Con discos imprescindibles como Rated R (2000) y Songs for the Deaf (2002), QOTSA son un ejemplo paradigmático de una de las constantes de la década: las súper bandas. En QOTSA, Mark Lanegan (ex cantante de Screaming Trees), Josh Homme (ex guitarrista de Kyuss) y otros destacados músicos han logrado sacar lo mejor de sí mismos en pro de un proyecto común. De la misma manera, Maynard James Keenan (vocalista de Tool), Jeordie White (ex bajista de Marilyn Manson) y Josh Freese (batería de una innumerable cantidad de formaciones) se han encontrado en A Perfect Circle, autores de los espectaculares Mer de Noms (2000) y Thirteenth Step (2003). Por no hablar de Porcupine Tree, que, liderados por el prolífico Steven Wilson, han firmado discos excelentes como In Absentia (2002), Fear of a Blank Planet (2007) o The Incident (2009).

Uno de los especialistas en la creación de súper bandas ha sido el polifacético Mike Patton. En 1999, y después de la disolución de FNM (recientemente vueltos a reunir), el bueno de Patton empezó una aventura indescriptible de rock experimental titulada Fantômas, junto a Dave Lombardo (batería de Slayer, otro grupo muy inspirado esta década), Buzz Osborne (guitarrista de Melvins) y Trevor Dunn (ex bajista de Mr. Bungle). Un año más tarde, Patton se unió con el guitarrista Duane Denison (de The Jesus Lizard) para formar Tomahawk. Hasta hoy, las dos bandas siguen en activo y Patton no ha dejado de lado ninguno de sus otros múltiples proyectos personales, entre los que destaca su disco "pop" Peeping Tom (2006).

(Este capítulo continuará en la siguiente entrega)

Canción de la semana: "Crystalised", de The xx

2010-01-03T15:43:00.004+01:00

Canción: Cyrstalised

Autores e intérpretes: The xx

Disco: The xx (2009)

Letra:

You've applied the pressure
To have me crystalised
And you've got the faith
That I could bring paradise

I'll forgive and forget
Before I'm paralyzed
Do I have to keep up the pace
To keep you satisfied

Things have gotten closer to the sun
And I've done things in small doses
So don't think that I'm pushing you away
When you're the one that I've kept closest

You don't move slow
Taking steps in my directions
The sound resounds, echo
Does it lesson your affection
No

You say I'm foolish
For pushing this aside
But burn down our home
I won't leave alive

Glacies have melted to the sea
I wish the tide would take me over
I've been down on my knees
And you just keep on getting closer

Go slow, go slow, go slow

Canción de la semana: "Rockin' Around the Christmas Tree", de Brenda Lee

2009-12-25T13:31:00.004+01:00

Canción: Rockin' Around the Christmas Tree

Autor: Johnny Marks
Intérprete: Brenda Lee

Disco: Merry Christmas from Brenda Lee (1958)

Letra:

Rockin' around the Christmas tree
At the Christmas party hop,
Mistletoe hung where you can see,
Every couple tries to stop,
Rockin' around the Christmas tree,
Let the Christmas spirit ring,
Later we'll have some pumpkin pie,
And we'll do some caroling.

You will get a sentimental feeling when you hear,
Voices singing, "Let's be jolly,
Deck the halls with boughs of holly",
Rockin' around the Christmas tree,
Have a happy holiday,
Everyone dancin' merrily,
In the new old-fashioned way.

You will get a sentimental feeling when you hear,
Voices singing, "Let's be jolly,
Deck the halls with boughs of holly",
Rockin' around the Christmas tree,
Have a happy holiday,
Everyone dancin' merrily,
In the new old-fashioned way.

Canción de la semana: "That Golden Rule", de Biffy Clyro

2009-12-18T14:03:00.005+01:00

Canción: That Golden Rule

Autores e intérpretes: Biffy Clyro
Disco: Only Revolutions (2009)

Letra:

Son of Henry, I'm the first in line
To the throne, smell my mustard gas
I slash swords through your wooden spine
Well it cut my heart and it blew my head
We made love at the side of the road
Reflex, you better know this flows fast
This river is particularly sinister
Close your eyes and take my hand

I wanna scream one last death medley
I am looking for a reason to secure a forward motion

Love that golden rule, that golden rule
Need that golden rule, that golden rule
Secrets are the truth, they are the truth
We need that silver rule, that silver rule

Face to face with the ball and chain
I'll poke my head up till its red
I tell my secrets and you took my pain
About a broken heart and I will do it again
Son of Henry, I'm the first in line
To the throne, smell my mustard gas
I slash swords through your wooden spine
Well it cut my heart and it blew my head

I want to scream one last death medley
I am looking for a reason to secure a forward motion

Love that golden rule that golden rule
Need that golden rule that golden rule
Secrets are the truth they are the truth
We need that silver rule that silver rule

2000-2009: La banda sonora de una década (III)

2009-12-14T18:20:00.023+01:00

Fotos de la década de la Agencia Reuters: El Primer Ministro de Israel, Ariel Sharon, mira a través de un par de binoculares con las tapas de las lentes aún puestas. REUTERS / Nir Elias

Capítulo 2. Nuevas visiones del rock.

En 1999, el cuarteto islandés Sigur Rós publicó su segundo disco, titulado Ágætis byrjun ("Un buen comienzo"), que, efectivamente, supuso el inicio perfecto para la repercusión a escala mundial del post-rock, un estilo musical originado a mediados de los 90. Bajo esta confusa etiqueta se han llegado a clasificar grupos y artistas tan dispares como Isis y Karate, que, aunque ciertamente no tienen demasiado que ver entre ellos, sí que comparten una característica en común: la voluntad de experimentar con el rock, incorporándole elementos propios de otros géneros y buscando nuevos lenguajes y vías de expresión. La década 2000-2009 ha visto que, con frecuencia, las estructuras rígidas del rock más tradicional se han ido diluyendo para dar paso a propuestas cada vez más inclasificables.

Entre ellas, se encuentran las llevadas a cabo por bandas como Mogwai o Explosions in the Sky, que continuamente juegan con el límite y la contraposición de emociones a partir de paisajes oníricos y potentes melodías instrumentales. Tal vez la mejor muestra de esta ramificación del post-rock la encontramos en el demasiado olvidado Yanqui U.X.O. (2002), compuesto por los canadienses Godspeed You! Black Emperor y producido por uno de los gurús del género, Steve Albini. También los americanos Gregor Samsa y su 55:12 (2006), y los ingleses Yndi Halda con Enjoy Eternal Bliss (2007), han aportado su particular grano de arena a la visión más ensoñadora del rock. Sin embargo, y lamentablemente, parece que tan sólo Sigur Rós - que día a día van incrementando su legión de fans sin perder ni un ápice de honestidad - han podido llegar al final de la década manteniendo el nivel, acercándose cada vez más al pop y entregando obras tan espectaculares como la película Heima (2007) o los discos Takk... (2005) y Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008).

Por otra parte, el post-rock también ha ido absorbiendo sonoridades jazzísticas, de las que ha heredado la improvisación y la capacidad de sorprender. En nuestro país tenemos un ejemplo excelente, los barceloneses 12twelve, que gracias a Speritismo (2003) y L'univers (2006) se han ganado un merecido reconocimiento nacional e internacional. Los norteamericanos Karate, la banda más significativa del "jazz-post-rock", también han publicado dos discos indispensables para los amantes del género: Some Boots (2002) y Pockets (2004), en los que dan rienda suelta a su virtuosidad al mismo tiempo que desarrollan melodías y estribillos de una sencillez extraordinaria.

No se puede acabar un repaso por las nuevas visiones del rock sin mencionar a Lisabö, Battles y Isis, tres de los grupos más contundentes de los últimos años y, posiblemente, los que han llevado más lejos la unión entre experimentación y hardcore. De los vascos Lisabö, destaca especialmente el sobresaliente y abrumador Ezlekuak (2007), mientras que Battles y su debut Mirrored (2007) hipnotizan con sus angustiosas capas de sonido y sus constantes cambios de ritmo. De Isis, sólo cabe decir que son los responsables de dos de los mejores álbumes de la década: Oceanic (2002) y In the Absence of Truth (2007).

Con todo, no hay indicios claros sobre cuáles van a ser los próximos pasos del rock. Lo que sí que parece evidente es que cada día hay más artistas a los que no les sirven sus rígidas (y quizás anticuadas) estructuras para expresarse.

Canción de la semana: "Postcards from Italy", de Beirut

2009-12-10T18:48:00.005+01:00

Canción: Postcards from Italy

Autor: Zach Condon
Intérpretes: Beirut

Disco: Gulag Orkestar (2006)

Letra:

The times we had
Oh, when the wind would blow with rain and snow
Were not all bad
We put our feet just where they had, had to go
Never to go

The shattered soul
Following close but nearly twice as slow
In my good times
There were always golden rocks to throw
at those who admit defeat too late
Those were our times, those were our times

And I will love to see that day
That day is mine
When she will marry me outside with the willow trees
And play the songs we made
They made me so
And I would love to see that day
Her day was mine

Canción de la semana: "Se va, se va, se fue", de Jorge Drexler

2009-12-04T14:54:00.005+01:00

Canción: Se va, se va, se fue

Autor e intérprete: Jorge Drexler (feat. Fernando Cabrera)

Disco: Eco (2004)

Letra:

Con el anhelo dirigido hacia ti
yo estaba solo en un rincón del café
cuando de pronto oí unas alas batir,
como si un peso comenzara a ceder,
se va,
se va,
se fue...

Tal vez fue algo de la puesta de sol,
o algún efecto secundario del té,
pero lo cierto es que la pena voló
y no importó ya ni siquiera porqué,
se va,
se va,
se fue...

Algunas veces, mejor no preguntar,
por una vez que algo sale bien,
si todo empieza y todo tiene un final
hay que pensar que la tristeza también
se va,
se va,
se fue...

2000-2009: La banda sonora de una década (II)

2009-12-01T23:53:00.007+01:00

Fotos de la década de la Agencia Reuters: El juez Robert Rosenberg, miembro de la mesa electoral del Condado de Broward, analiza uno de los votos considerados “cuestionables” después de las elecciones norteamericanas. Una vez llevada a cabo la revisión, el voto se lo llevó el candidato presidencial republicano, George W. Bush. REUTERS / Colin Braley

Capítulo 1. La masificación del indie.

Auténtico reflejo de una época confusa, podríamos establecer el imprescindible Kid A (2000) de Radiohead como punto de inicio de la década musical en el terreno indie. Una obra imperecedera y compleja en la que el quinteto de Oxford volvía a sorprender a crítica y público, desviándose del camino marcado por su célebre e influyente OK Computer (1997). Kid A -así como el inmediatamente posterior Amnesiac (2001)- fue, por muchos, el álbum que introdujo las nuevas pautas para el futuro rock alternativo: ampliación de límites, mezcla de estilos, experimentación con la electrónica y progresiva pérdida de significado (si es que alguna vez lo tuvo) de la etiqueta “indie”.

Las producciones independientes, tan loadas y loables desde mediados de los 80, parecieron, durante mucho tiempo, reservadas para un tipo de público muy concreto necesitado de música que fuera más allá de las radiofórmulas. En el año 2000, con la generalización de uso de Internet, la concepción de la música y la cultura indie estaba evolucionando hacia una completa democratización. Y no tan sólo porque el acceso a esta cultura se convirtió en algo mucho más sencillo, sino que la imparable generación de contenidos, el boca a boca y los distintos sistemas de recomendación (desde Napster hasta Last.fm, pasando por Myspace) permitieron que muchos de nosotros descubriésemos una cantidad de artistas casi inabarcable. Las empresas, en su mayoría multinacionales, sacaron tajada de la situación, patrocinando festivales, bandas y cantantes que años atrás se jactaban de ser independientes. El indie se había masificado. Sin embargo, aún hoy continúa siendo un buen paraguas en el que agrupar algunos de los álbumes y grupos más destacados de la década.

El 2000 fue el año de debut de la banda de rock alternativo que más éxito ha cosechado durante este decenio: Coldplay. Con su primer disco, Parachutes, introspectivo y lleno de grandes momentos, pocos podíamos intuir el enorme crecimiento de la banda liderada por el histriónico Chris Martin. Con el irregular A Rush of Blood to the Head (2002), los británicos consiguieron llegar a todo tipo de audiencias, gracias a inspiradas canciones como “Clocks”, “In My Place” o “The Scientist”, mientras que el redondo X&Y (2005) y el fallido Viva la Vida or Death and All His Friends (2008) acabaron por confirmarlos como el grupo llena-estadios que son en la actualidad.

Un camino similar es el que han seguido los también británicos Muse, aunque con una propuesta muy alejada de la de sus compatriotas. En 2001, el trío publicó Origin of Symmetry, que seguía la estela de su remarcable debut, Showbiz (1999). Absolution (2003) les encumbró finalmente -y con justicia- como uno de los estandartes imprescindibles del rock del momento y una de las bandas con más proyección de futuro. Potentes y emocionantes, pero ante todo con una ambición sin igual, Matthew Bellamy y los suyos consiguieron entablar un discurso propio, que evidenciarían posteriormente con Black Holes and Revelations (2006) y The Resistance (2009).

Otra de las bandas inglesas indies que ha logrado una destacable legión de fans durante estos diez años es Placebo, que ya habían firmado dos grandes discos en los 90. Gracias a Black Market Music (2000), Sleeping With Ghosts (2003) y a canciones sin complejos como “Special K”, “Taste in Men” o “This Picture”, pudieron sobrepasar todas las fronteras y obtener el reconocimiento internacional que merecían.

De las muchas sorpresas que nos ha deparado esta década en el terreno alternativo, destaca por encima de las demás la de los canadienses Arcade Fire. Con tan sólo dos álbumes en su haber, Funeral (2004) y Neon Bible (2007), este numeroso grupo se ha convertido en la revelación de la temporada. Su estilo inigualable y la calidad de sus composiciones han encandilado a medio mundo y les han hecho valedores de la condición de referente imprescindible. De hecho, no es hasta 2008 cuando les aparece un serio competidor: el impresionante y barroco debut de Fleet Foxes.

Desde una perspectiva más puramente rock, estos diez años se han caracterizado por la proliferación de hits instantáneos (y peligrosamente efímeros), de los que Arctic Monkeys han sido los reyes indiscutibles. Aún así, se han publicado obras más que sobresalientes: el sorprendente Silent Alarm (2005) de Bloc Party, el rápido A Certain Tiger (2005) de Maxïmo Park, el elegante Boxer (2008) de The National, el psicodélico Yoshimi Battles the Pink Robots (2002) de The Flaming Lips o los perfectos Send Away The Tigers (2007) y Journal for Plague Lovers (2009) de unos rejuvenecidos Manic Street Preachers son un buen ejemplo. Por no hablar de The Life Pursuit (2006), un compendio de canciones completamente pegadizas a cargo de los también rejuvenecidos Belle And Sebastian.

Como sucede en todas las décadas, hay una serie de discos que han permanecido más o menos ocultos y que iremos descubriendo en los próximos años. No obstante, ya hay algunas de estas joyas indies que me atrevo a mencionar. En primer lugar, los discos hipnóticos titulados Cold House (2001) y Outside Closer (2005) del trío de Leeds Hood. En segundo lugar, pero no por eso menos importante, el delicioso The Trials of Van Occupanther (2006) de los superdotados Midlake. Y tampoco debemos olvidarnos del necesario Drums and Guns (2007) de Low ni de los discos publicados por Lambchop y Marah durante estos 10 años.

Pero si hay una banda que ha reunido una discografía del todo imprescindible en esta década, esa ha sido la estadounidense Wilco. Desde los más complejos Yankee Hotel Foxtrot (2002) y A Ghost is Born (2004) hasta los más clásicos Sky Blue Sky (2007) y Wilco (2009), la banda de Jeff Tweedy ha ido superándose en cada entrega, andando su propio camino y regalándonos canciones que ya forman parte de la historia del rock.

Canción de la semana: "True Love Will Find You in the End", de Daniel Johnston

2009-11-26T15:00:00.004+01:00

Canción: True Love Will Find You in the End

Autor e intérprete: Daniel Johnston

Disco: 1990 (1990)

Letra:

True love will find you in the end
You'll find out just who was your friend
Don’t be sad, I know you will,
But don’t give up until
True love finds you in the end.

This is a promise with a catch
Only if you're looking will it find you
‘Cause true love is searching too
But how can it recognize you
Unless you step out into the light?
But don’t give up until
True love finds you in the end.

2000-2009: La banda sonora de una década (I)

2009-11-26T00:00:00.012+01:00

Introducción. El mundo, versión 2.0.

Para el mundo occidental, el período 2000 - 2009 ha estado lleno de cambios, transformaciones sociales y, probablemente, más música que nunca. Una década que, a grandes rasgos, ha sido contradictoria; que empezó con G. Bush en la Casa Blanca y que acabará con Obama; que generalizó el uso de Internet al mismo tiempo que los políticos, la publicidad y los otros medios de comunicación no acaban de sacarle partido; que nos localizó mientras nos sentimos francamente perdidos; que nos descubrió el MP3 para que nos acordásemos del vinilo y que nos aportó un montón de información para que acabásemos convencidos de que somos una sociedad malinformada.

Bajo el prisma estrictamente musical, ésta ha sido una década convulsa y, también frecuentemente, contradictoria. Hemos asistido al resurgir del folk, a revivals constantes del rock de los 60-70, a la paulatina destrucción de la industria discográfica en una época de ebullición creativa y a la electrónica como base del nuevo rock.

En la serie de artículos 2000-2009: La banda sonora de una década, intentaré recuperar algunos de los momentos más gloriosos que nos ha dado el mundo musical en estos 10 años.

Como diría aquél: modestia aparte.

Primal Scream: Screamadelica

2009-11-22T17:10:00.007+01:00

A los escoceses Primal Scream se les debe reconocer el mérito de haber sido una de las bandas que reformuló el sonido pop-rock de principios de los años 90. Screamadelica (1991), probablemente su disco más aplaudido, marcó un punto de inflexión en su propia carrera y en la de muchos otros artistas que deseaban mezclar las guitarras con la música electrónica.

Considerado un clásico casi desde la fecha de su publicación, Screamadelica contiene tres hits que destacan por encima de los demás: la pegadiza y animada -¡y gospel!- "Movin' On Up", ese single absolutamente perfecto titulado "Loaded" (que puede recordar por momentos al "Sympathy For The Devil" de los Rolling Stones) y la oscura-pero-brillante "Slip Inside This House". En todos ellos, así como en el resto del álbum, Primal Scream introdujeron elementos propios del house o del dance a unas canciones que, sin embargo, nunca olvidaban su inspiración rock. Esta fusión bien entendida fue, quizás, la clave del triunfo internacional de Screamadelica.

O tal vez la causa principal de dicho éxito fue su ya inolvidable y mítica portada diseñada por Paul Cannel. En todo caso, motivos seguro que no le faltan: piezas como "Higher Than The Sun", "Come Together", "Damaged", "Don't Fight It, Feel It" o "I'm Coming Down" son una buena muestra de las continuas variaciones estilísticas de Screamadelica, una amalgama de sonidos, estilos, experimentación e improvisación a la que se antoja difícil encontrarle sucesor.

Y es que, aunque posteriormente han firmado excelentes discos como Give Out But Don't Give Up (1994) o XTRMNTR (2000), parece inevitable que Primal Scream siempre sean recordados por su tercer álbum. No nos debería extrañar. Una obra tan fresca, inspiradora y rompedora como Screamadelica sólo sucede una vez en muchos, muchos años.

Movin' On Up (Live)

Don't Fight It, Feel It (Live)

Loaded

Come Together

Damaged (Live)

I'm Coming Down

Piana: Ephemeral

2009-11-19T22:07:00.008+01:00

Hay discos que parecen haber sido escritos para describir ciertas estaciones del año. Así, por ejemplo, el célebre Vespertine (2001) de Björk es un auténtico reflejo del invierno, mientras que los álbumes de José González se saborean mejor con un buen café en otoño. Ephemeral (2005), el segundo disco de la cantante y compositora japonesa Piana, es la descripción exacta del tiempo meteorológico que estamos viviendo estos días: un otoño estival con nostalgia de invierno.

Piana irrumpió en la escena musical en 2003, con el destacado debut Snow Bird, un álbum a medio camino entre el folk, la electrónica y la experimentación. Dos años después repitió y mejoró su fórmula para publicar Ephemeral, que, contradiciendo su título, está repleto de momentos inolvidables.

El primero de estos momentos lo encontramos en la canción inicial y soberbia "Something Is Lost". Va acercándose a nuestros oídos como sin querer, intuyendo paisajes sonoros que van aumentando de intensidad hasta que Piana empieza a pronunciar las primeras frases. Para ese entonces ya estamos completamente hipnotizados por sus ritmos gélidos, sus teléfonos sin responder, sus guitarras delicadamente monótonas y su voz llena de ecos y juegos armónicos.

Ephemeral continúa sorprendiendo con "Early In Summer", que contiene una melodía y unos arreglos de cuerda de una emotividad casi insoportable. En cambio, "Beside Me", el siguiente corte del álbum, tiene un carácter mucho más minimalista y aparentemente desordenado, mientras que la breve "Color of Breeze" es tan sólo un pequeño puente que cruza hasta "Little Girl Poems", uno de los temas más destacados del disco. Este "Little Girl Poems" se desarrolla con un disimulado pero continuo crescendo y llega a una impresionante parte central que es el verdadero clímax de todo el álbum. "Muse", por el contrario, carece de una estructura reconocible, mientras la folk "Mother's Love" podría haber sido escrita e interpretada por cantantes como Rosie Thomas. De "Moon And Cello" se puede decir poco más de lo que ya dice su título, y la final "Beginning" nos deja con ganas de más Piana.

Y es que Ephemeral es un disco que no nos cansaríamos nunca de escuchar. Sus ambientes ensoñadores y oníricos son una buena fuente de inspiración y tranquilidad, el perfecto acompañante para este otoño que parece que nunca va a llegar.

Something Is Lost

Mother's Love

Little Girl Poems

Early In Summer

Canción de la semana: "All Mine", de Portishead

2009-11-19T20:47:00.004+01:00

Canción: All Mine

Autores: G. Barrow, B. Gibbons, A. Utley

Intérpretes: Portishead

Disco: Portishead (1997)

Letra:

All the stars may shine bright
All the clouds may be white
But when you smile
Oh how I feel so good
That I can hardly wait

To hold you
Enfold you
Never enough
Render your heart to me

All mine...
You have to be

From that cloud, number nine
Danger starts the sharp incline
And such sad regrets
Oh as those starry skies
As they swiftly fall

Make no mistake
You shan't escape
Tethered and tied
There's nowhere to hide from me

All mine...
You have to be

Don't resist
We shall exist
Until the day I die
Until the day I die

All mine...
You have to be

Canción de la semana: "Happy Birthday", de Sufjan Stevens

2009-11-05T20:01:00.006+01:00

Canción: Happy Birthday

Autor e intérprete: Sufjan Stevens

Disco: A Sun Came (2000)

Letra:

Like the lantern on a tree
Your burden bright as weary be.
Periwig on parakeet,
You're God's great paramour and sweet.

I'm happy, I'm happy
Your birthday brings a pardoning.
I'm happy, I'm happy
You're like a bird that will not be.

Yours will number, yours will be
A paragon a Paraclete.
Keep your bed warm, keep your humor,
Keep your proverbs short and sweet.

I'm sorry, I'm sorry
That life is anxious, life is mean.
I'm sorry, I'm sorry
A pair of shoes is what you need.

I'm happy, I'm happy
Your birthday brings a pardoning.
I'm happy, I'm happy
You're like a bird that will not be.

Javier Ruibal: Lo que me dice tu boca

2009-10-29T19:37:00.008+01:00

Que el gaditano Javier Ruibal nunca ha recibido la atención que merecía por los medios (generalistas o especializados) no es, lamentablemente, nada nuevo. En 2005, y después de siete discos publicados, el cantautor del Puerto de Santa María se embarcó en una nueva aventura y nos regaló Lo que me dice tu boca, un álbum de canciones inéditas grabadas en directo. Un pequeño gran tesoro que, como el mismo Ruibal, ha pasado demasiado desapercibido.

Javier es un artista de la mezcla estilística, un trovador que no tiene ningún reparo en jugar con la música de inspiración árabe, flamenca, cubana o mediterránea. Un cóctel multicolor que se une a su emocionante voz, a sus sentidas letras y a su inseparable guitarra para entregarnos composiciones de una personalidad única.

A Ruibal siempre le gusta rodearse de músicos y amigos excepcionales y les deja sus canciones para que puedan sacar lo mejor de sí mismos. Para un proyecto como Lo que me dice tu boca se hizo acompañar por artistas de la talla de Tito Alcedo (guitarra española, laúd y mandolina), John Parsons (guitarra eléctrica), Víctor Merlo (contrabajo y bajo eléctrico) o Andreas Prittwitz (flauta, clarinete y saxo). Todos ellos son parte fundamental de un concierto irrepetible que tiene sus momentos álgidos en la maravillosa "Habana mía", la poética "Besos en abril", la nocturna "La bella impaciente", la rítmica e imparable "Bendito veneno", la espectacular "De Málaga malagueñito" y la final "Para llevarte a vivir".

Lo que me dice tu boca es, tal vez, la mejor muestra de la música de un cantautor magnífico como Javier Ruibal. Una música que transmite una visión de la vida romántica, optimista, reposada, llena de pequeños detalles y que hace que se me escape un "¡yo de mayor quiero ser como Ruibal!".

Para llevarte a vivir

Lo que me dice tu boca

Tu nombre

De Málaga malagueñito

Besos en abril

Canción de la semana: "Unfinished Sympathy", de Massive Attack

2009-10-29T19:22:00.005+01:00

Canción: Unfinished Sympathy

Autores: G. Marshall, A. Vowles, R. Del Naja, J. Sharp, S. Nelson

Intérpretes: Massive Attack (feat. Shara Nelson)

Disco: Blue Lines (1991)

Letra:

I know that I've been mad in love before
And how it could be with you
Really hurt me baby, really cut me baby
How can you have a day without a night
You're the book that I have opened
And now I've got to know much more

The curiousness of your potential kiss
Has got my mind and body aching
Really hurt me baby, really cut me baby
How can you have a day without a night
You're the book that I have opened
And now I've got to know much more

Like a soul without a mind
In a body without a heart
I'm missing every part

Erykah Badu: Baduizm

2009-10-22T17:52:00.014+02:00

Publicado en 1997, Baduizm fue la carta de presentación de la cantante norteamericana Erykah Badu. Un disco que acabaría formando parte esencial de las raíces del neo soul, una auténtica revolución que transformaría la música que practicaban en los años 60 artistas clásicos como Marvin Gaye o Aretha Franklin.

Sin embargo, en Baduizm se mezclan una gran cantidad de géneros (desde el jazz hasta el hip hop) que, unidos a la espectacular voz de Erykah, hacen de este álbum de debut una obra imprescindible de la música negra actual. No en vano - y aunque no se pueda considerar siempre una buena referencia - ganó el Grammy al mejor disco de R&B.

Ya desde la introducción, convenientemente titulada "Rim Shot", uno recibe el impacto de una base rítmica contagiosa, unos coros que parecen haberse colado desde otra época, y la voz, siempre sensual, dulce y divertida, de Erykah. Por si no habíamos tenido suficiente con este primer disparo, la estadounidense nos remata con el hit directo "On & On", el single más exitoso del disco, que también se llevó un Grammy: el de mejor interpretación vocal femenina de R&B.

Baduizm sigue su camino por "Apple Tree", una canción que nos recuerda al magnífico y posterior Two Pages (1998) de 4hero. En "Next Lifetime" encontramos una melodía pegadiza y una Erykah especialmente inspirada, mientras que "Afro" es un puro divertimento que muestra la personalidad de la cantante como ningún otro tema. El repertorio más destacado lo completan la jazzística "Certainly" y la perfecta "4 Leaf Clover".

Doce años después de la publicación de Baduizm, Erykah Badu sigue en plena forma. En 2008 editó el espectacular New Amerykah Part One (4th World War), y para este 2009 está previsto el lanzamiento del esperadísimo New Amerykah Part Two (Return Of The Ankh). Y que siga el siguiente.

On & On

Apple Tree

Certainly (Live - audio)

4 Leaf Clover

Next Lifetime

Canción de la semana: "Into Dust", de Mazzy Star

2009-10-22T17:23:00.006+02:00

Canción: Into Dust

Autores: D. Roback, H. Sandoval

Intérpretes: Mazzy Star

Disco: So Tonight That I Might See (1993)

Letra:

Still falling
Breathless and on again
Inside today
Beside me today
A round broken in two
'til your eyes shed into dust
Like two strangers turning into dust
'til my hand shook the way I fear

I could possibly be fading
Or have something more to gain
I could feel myself growing colder
I could feel myself under your face
Under... Your face

It was you
breathless and torn
I could feel my eyes turning into dust
And two strangers turning into dust
Turning into dust.

Canción de la semana: "Logo", de Kevin Johansen

2009-10-15T22:27:00.011+02:00

Canción: Logo

Autor: Kevin Johansen

Intérpretes: Kevin Johansen & The Nada

Disco: Logo (2007)

Letra:

Recuerdo cosas de otros tiempos,
De cuando el Almacén no tenía luces de neón
Cuando el paraíso no tenía marquesina…

Generation Logo...'Até', Até Logo
Todo tiene Logo... 'Ya tein', ya tein Logo
Veneration Logo... 'Axé', axé Logo
Si no tiene Logo, falta poco.

¡Saravaravá!

Manteca, chuleta, buseca... 'Ya tein Logo'!
Carlito, Robinho, Dieguito... 'Ya tein Logo'!
Mengano, Fulano, Caetano... 'Ya tein Logo'!
Todo tiene Logo, até logo.

¡Saravaravá!

Coraza, coraçao, coragem... 'Ya tein Logo'!
Saraza, bobaza, bobagem... 'Ya tein Logo'!
Su tio, mi hermana, tu abuela... 'Ya tein Logo'!
Si no tiene Logo, falta poco.

¡Saravaravá!

Todo tiene Logo... 'Até', Até Logo
Generation Logo...'Ya tein', ya tein Logo
Veneration Logo... 'Axé', Axé Logo
Todo tiene Logo...'Ya sé', hasta el pogo
!Saravaravá!

Compre todo ahora porque ahora ya es mañana
Y mañana ya va a ser pasado
Si no compra todo, seguro lo compra otro
Y después, seguro se lamentará
Todo ‘on sale’, aproveche que sale temprano
Y sin más demora
Sino compra ahora, va a caer en bancarrota
Espiritual, Intelectual y Emocional!

El Yoga, en boga y la toga… 'Ya tein Logo'!
Orgánico, higiénico, transgénico… 'Ya tein Logo'!
El Mantra, el tantra, el “chantra”… 'Ya tein Logo'!

El Rock Star, el Pop Star, el “Old Star”… 'Ya tein Logo'!

“I was hangin’around, waitin’ for somethin’ to happen’
When nothin’ happened at all
Until I found a Trademark, a Brand
I fell in love with
I fell in love with that lovely, big fat
(It’s the final...) LOGO!!!

Generation Logo, Até! Até Logo.
Todo tiene Logo, Ya tein! Ya tein, Logo.
Veneration Logo, Axé! Ashé, Logo!?
Si no tiene Logo, falta poco.

¡Saravaravá!

Compre todo ahora porque ahora ya es mañana
Y mañana ya va a ser pasado
Si no compra todo, seguro lo compra otro
Y después, seguro se lamentará
Todo ‘on sale’, aproveche que sale temprano
Y sin más demora
Sino compra ahora, va a caer en bancarrota
Espiritual, Intelectual y Emocional!

Carlito, Robinho, Dieguito... 'Ya tein Logo'!
La Roña, la Doña, Maconha... 'Ya tein Logo'!
El Dating, el rating, skating... 'Ya tein Logo'!
El Dealing, el feeling, el peeling... 'Ya tein Logo'!
El Mantra, el Tantra, el “Chantra”... 'Ya tein Logo'!
Festival, Carnaval (Tein Logo!)
Ya se fue, ya vendrá.

¡Saravaravá!

Recuerdo cosas de otros tiempos,
De cuando el Almacén no tenía luces de neón
Cuando el paraíso no tenía marquesina…

It’s the final…Logo!

Canción de la semana: "Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again", de Bob Dylan

2009-10-08T19:56:00.005+02:00

Canción: Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again
Autor e intérprete: Bob Dylan
Disco: Blonde On Blonde (1966)

Letra:

Oh, the ragman draws circles
Up and down the block.
I'd ask him what the matter was
But I know that he don't talk.
And the ladies treat me kindly
And furnish me with tape,
But deep inside my heart
I know I can't escape.
Oh, Mama, can this really be the end,
To be stuck inside of Mobile
With the Memphis blues again.

Well, Shakespeare, he's in the alley
With his pointed shoes and his bells,
Speaking to some French girl,
Who says she knows me well.
And I would send a message
To find out if she's talked,
But the post office has been stolen
And the mailbox is locked.
Oh, Mama, can this really be the end,
To be stuck inside of Mobile
With the Memphis blues again.

Mona tried to tell me
To stay away from the train line.
She said that all the railroad men
Just drink up your blood like wine.
An' I said, "Oh, I didn't know that,
But then again, there's only one I've met
An' he just smoked my eyelids
An' punched my cigarette."
Oh, Mama, can this really be the end,
To be stuck inside of Mobile
With the Memphis blues again.

Grandpa died last week
And now he's buried in the rocks,
But everybody still talks about
How badly they were shocked.
But me, I expected it to happen,
I knew he'd lost control
When he built a fire on Main Street
And shot it full of holes.
Oh, Mama, can this really be the end,
To be stuck inside of Mobile
With the Memphis blues again.

Now the senator came down here
Showing ev'ryone his gun,
Handing out free tickets
To the wedding of his son.
An' me, I nearly got busted
An' wouldn't it be my luck
To get caught without a ticket
And be discovered beneath a truck.
Oh, Mama, can this really be the end,
To be stuck inside of Mobile
With the Memphis blues again.

Now the preacher looked so baffled
When I asked him why he dressed
With twenty pounds of headlines
Stapled to his chest.
But he cursed me when I proved it to him,
Then I whispered, "Not even you can hide.
You see, you're just like me,
I hope you're satisfied."
Oh, Mama, can this really be the end,
To be stuck inside of Mobile
With the Memphis blues again.

Now the rainman gave me two cures,
Then he said, "Jump right in."
The one was Texas medicine,
The other was just railroad gin.
An' like a fool I mixed them
An' it strangled up my mind,
An' now people just get uglier
An' I have no sense of time.
Oh, Mama, can this really be the end,
To be stuck inside of Mobile
With the Memphis blues again.

When Ruthie says come see her
In her honky-tonk lagoon,
Where I can watch her waltz for free
'Neath her Panamanian moon.
An' I say, "Aw come on now,
You must know about my debutante."
An' she says, "Your debutante just knows what you need
But I know what you want."
Oh, Mama, can this really be the end,
To be stuck inside of Mobile
With the Memphis blues again.

Now the bricks lay on Grand Street
Where the neon madmen climb.
They all fall there so perfectly,
It all seems so well timed.
An' here I sit so patiently
Waiting to find out what price
You have to pay to get out of
Going through all these things twice.
Oh, Mama, can this really be the end,
To be stuck inside of Mobile
With the Memphis blues again.

Canción de la semana: "If You Tolerate This Your Children Will Be Next", de Manic Street Preachers

2009-10-01T23:54:00.003+02:00

Canción: If You Tolerate This Your Children Will Be Next
Autores: Letra - Nick Jones, Música - James Dean Bradfield, Sean Moore
Intérpretes: Manic Street Preachers
Disco: This Is My Truth, Tell Me Yours (1998)

Letra:

The future teaches you to be alone
The present to be afraid and cold
'So if I can shoot rabbits then I can
Shoot fascists'

Bullets for your brain today
But we'll forget it all again
Monuments put from pen to paper
Turns me into a gutless wonder

And if you tolerate this then
Your children will be next
And if you tolerate this then
Your children will be next, will be next will be next will be next

Gravity keeps my head down or is
It maybe shame at being so young
And being so vain holes in your
Head today but I'm a pacifist I've
Walked La Ramblas but not with
Real intent

And if you tolerate this then
Your children will be next
And if you tolerate this then
Your children will be next, will be next will be next will be next

'And on the streets tonight -
An old man plays with newspaper
Cuttings of his glory days'

And if you tolerate this then
Your children will be next
And if you tolerate this then
Your children will be next, will be next will be next will be next

Canción de la semana: "The Magic Position", de Patrick Wolf

2009-09-24T18:02:00.007+02:00

Canción: The Magic Position
Autor e intérprete: Patrick Wolf
Disco: The Magic Position (2007)

Letra:

So let the people talk
It’s Monday morning walk
Right past the fabulous mess we’re in
It’s gonna be a beautiful day
So do the bluebirds sing
As I take your hand
And you take my kiss
And I take the world
‘Cause out of all the people I’ve known
The places I’ve been
The songs that I have sung
The wonders I’ve seen
Now that the dreams are all coming true
Who is the one that leads me on through

It’s you
Who puts me in the magic position, darling now
You put me in the magic position
To live, to learn, to love in the major key

And I know how you’ve hurt
And been dragged through the dirt
But c’mon get back up
It’s the time to live
So give your love to me
I’m gonna keep it carefully
Deep in the treasure chest below my breast
‘Cause out of all the people I’ve known
The places I’ve been
The songs that I have sung
The wonders I’ve seen
Now that the dreams are all coming true
Who is the one that leads me on through

It’s you
Who puts me in the magic position, darling now
You put me in the magic position, darling now
Let me put you in the magic position, darling
‘Cause I’m singing in the, the major key

Let me put you in the major key

Queen: A Night At The Opera

2009-09-18T10:10:00.003+02:00

A Night At The Opera (1975) es, en muchos sentidos, un disco clásico entre los clásicos. En primer lugar, es indiscutiblemente la obra maestra de Queen, una de las bandas más relevantes de la historia del rock; en segundo lugar, y aunque puede parecer un argumento muy sobado, contiene "Bohemian Rhapsody", una de las canciones más espectaculares que se compusieron e interpretaron en el Siglo XX. Por si todo esto no fuera suficiente, A Night At The Opera es un álbum de producción prodigiosa y variedad estilística increíble, que demuestra la extrema versatilidad de todos los componentes del cuarteto británico.
Una noche en la opera tal y como la conocemos, nunca empezaría con una pieza como "Death on Two Legs (Dedicated to...)", la encargada de abrir el que fue cuarto disco de Queen. En ella, Freddie Mercury desata toda su ira hacia un antiguo manager del grupo, al que los demás integrantes tampoco deberían tener mucho aprecio, a juzgar por la letra y la base musical hard-rock. En contraposición a un inicio tan abrumador, "Lazing on a Sunday Afternoon" parece un pequeño paréntesis que precede a "I'm in Love With My Car", una canción al más puro rock setentero, ahora a cargo del batería de Queen, Roger Taylor, que también se encarga de la parte vocal.
De hecho, en A Night At The Opera todos los componentes del cuarteto aportaron su mejor versión. Aparte de Taylor, el bajista John Deacon, el guitarrista Brian May y, por supuesto, el frontman Freddie Mercury, compusieron temas que hicieron historia. Deacon es el autor de la maravillosa "You're My Best Friend", mientras que May nos regala, entre otras, dos de las canciones más destacadas del álbum: la country "''39" y la psicodélica "The Prophet's Song". Sin embargo, si hay una pieza de este disco que todos recordamos (y recodaremos), esa es la mencionada "Bohemian Rhapsody", de Mercury, que también compuso la romántica "Love Of My Life" y la teatral "Seaside Rendezvous".
La rapsodia bohemia fue toda una revolución en su día, y aún hoy se considera uno de los mejores temas (sino el mejor) del rock. Pero no debemos olvidar que A Night At The Opera es mucho más que una canción: es el disco definitivo de Queen, como ya dije antes, un clásico entre los clásicos.

Death on Two Legs (Dedicated to...)

Lazing on a Sunday Afternoon

I'm in Love With My Car

You're My Best Friend (Live)

'39

Sweet Lady

Seaside Rendezvous

The Prophet's Song

Love of My Life

Good Company

Bohemian Rhapsody

Canción de la semana: "Dolphins", de Tim Buckley

2009-09-17T20:45:00.005+02:00

Canción: Dolphins
Autor: Fred Neil
Intérprete: Tim Buckley
Disco: Once I Was (1999, grabación realizada en el 1974)

Letra:

Sometimes I think about Saturday's child
And all about the times when we were running wild
I've been out searching for the dolphins in the sea
Ah, but sometimes I wonder, do you ever think of me

This old world will never change the way it's been
And all the ways of war won't change it back again
I've been out searchin' for the dolphin in the sea
Ah, but sometimes I wonder, do you ever think of me

This old world will never change

Lord, I'm not the one to tell this old world how to get along
I only know that peace will come when all our hate is gone
I've been a-searchin' for the dolphins in the sea
ah, but sometimes I wonder, do you ever think of me.

Canción de la semana: "Las horas", de Christina Rosenvinge

2009-09-10T19:56:00.007+02:00

Canción: Las horas
Autores: C. Rosenvinge, J. Wilms, S. Shelley
Intérprete: Christina Rosenvinge
Disco: Tu labio superior (2008)

Letra:

Esta mañana pagué el alquiler
Usa mi coche, está en el taller
cuida del gato y riega el jazmín
Y no me escribas, no pienses en mí.

Porque a solas
nadie me cuenta las horas,
soy invadida, invasora
de mi pequeño jardín.

Vuelo de noche, es mejor para mí,
llevo tus píldoras para dormir.
Si cuando vuelva aún me quieres querer,
estaré limpia, sabré lo que hacer

Porque a solas
nadie me cuenta las horas,
yo soy la dueña y señora
en mi jardín de amapolas.
El viento frío me adora,
no hay que segar, segadora
deja la hierba crecer.

There´s no need to reap, reaper let the grass grow.
There´s no need to reap, reaper let the grass grow.
There´s no need to reap, reaper let the grass grow.
There´s no need to reap, reaper let the grass grow wild.

Canción de la semana: "Aeon", de Antony and the Johnsons

2009-09-03T18:10:00.005+02:00

Canción: Aeon
Autor: Antony Hegarty
Intérpretes: Antony and the Johnsons
Disco: The Crying Light (2009)

Letra:

Oh aeon
My baby boy
Oh aeon will take care of me

All the stars, your eyes
Raining just for me
Oh aeon will set me free

Oh aeon
My baby boy
Oh aeon will repair me

Oh his heart enjoyed
Restores eyes alloyed
Carry me through the olden void

Oh aeon
His arms are warm
Oh aeon was never born Aeon’s eyes forlorn

He contains the storm
He’s the pasture of my dawn

Oh aeon
My baby boy
Oh aeon will take care of me

Hold my father
For it is myself
Without him I wouldn’t exist

Oh aeon
Love my father
For my father is myself

Hold that man
In your tender clutch
Hold that man I love so much

Puedes comprarla en el iTunes store.

Canción de la semana: "Keep Falling", de Jazzanova

2009-08-27T14:20:00.006+02:00

Canción: Keep Falling
Autores: S. Lesering, A. Barck, U. Rucker, H. Phanatic
Intérpretes: Jazzanova (feat. Ursula Rucker & Hawkeye Phanatic)
Disco: In Between (2002)

Letra (incompleta):

Time waits for no one;
Use it wisely, not wastefully.
Live not dangerously or aimlessly,
For if you do you will disgrace your chi,
Living your life with distaste
In the guise of being carefree;
In the name of being free.
Better call that god you believe
To free you from the clutches
Of those who would have you perpetuate
Millenium slavery.

Hold on, slow down,
Hold on, slow down,
Hold on, slow down, before you let them dumb you down.

I'll be the crouching tiger, you'll be the hidden dragon and
While you're busy getting your swag on, i'll find you, sneak up behind you,
Fuck you up with my nimble knowledge nunchakus, make you sit down
And learn lifes' lessons, make you work hard to recieve your blessings,
And then i'll try to save you from the medias' campaign to massacre your brain
(make you insane in the membrane).
Feed you armageddon sized portions of disaster and pain, so your strength,
Past, and soul are easier to claim, for perilous gain, there's no one to blame
But yourself for believing their treacherous messages.
We all know how rough it is, we all know how tough it gets,
Especially when you resist.
You resist
You resist
Resist
Resist

Hold on, slow down,
Hold on, slow down,
Hold on, slow down, before you shut down, before you melt down.

I realize sometimes violence is necessary,
Particularly when predatory enemies
Seek to dictate your destiny,
Teach you watered-down history,
Make you blindly lead them to false fate
And to their cesspool for fools and governing ghouls, use your gift of choice,
Listen to your own voice.

I'm proud to MC so allow me to speak cause you can see i'm into deep so i need to reach these beats depend on mood set by inner means and i have the tendency to hold the mic so tenderly and every time it enters me its heaven i see it's got me hoping i'll be the next to seek it...

Make your own choice,
Listen to your own voice.
Proverbs say fear of man causeth snares,
So i'll beware and take care.
I'm not preaching, but like you i'm seeking,
Trying to defeat this thing.
I hear marley speaking, so i help him to sing these songs of freedom, of redemption.

Hold on, slow down,
Hold on, slow down,
Hold on, slow down, don't let them fuck you around.
Hold on, slow down.

Puedes comprarla en la web de Sonar Kollektiv.

Lou Reed & Laurie Anderson: Festival Internacional de la Porta Ferrada (Sant Feliu de Guíxols), 10-07-09

2009-07-12T16:18:00.017+02:00

No es fácil describir lo que pudimos ver y escuchar el pasado 10 de julio en la bonita localidad costanera de Sant Feliu de Guíxols. El magnífico monstruo Lou Reed y su compañera sentimental y artística Laurie Anderson se plantaron en el Festival de la Porta Ferrada para inaugurar la gira europea de The Yellow Pony and Other Songs and Stories, un concierto multidisciplinar de marcado carácter experimental que tuvo como protagonista a la palabra.

Lejos del rock más convencional, el recital estuvo constituido por frecuentes dosis de improvisación y música electrónica que algunos asistentes no estuvieron dispuestos a soportar. Reed y Anderson (acompañados por el teclista Louis Suddarth Calhoun) iban alternando sus intervenciones vocales mientras las bases musicales - en su mayoría dispersas y de poco sentido melódico - reforzaban el significado de las frases y versos que eran, en definitiva, el auténtico centro de atención del espectáculo. Es de agradecer, por tanto, que decidieran instalar un panel electrónico en lo alto del escenario para subtitular simultáneamente al catalán los textos originales en inglés.

The Yellow Pony and Other Song and Stories logró sorprender al respetable a base de versiones casi irreconocibles de clásicos de Reed ("Romeo Had Juliette", "Pale Blue Eyes"...) y canciones e historias de Anderson, que uno nunca antes había tenido el placer de escuchar. Y, si bien costó adentrarse en el abstracto universo sonoro que engendraron, poco a poco los efectos vibrantes, los repuntes noise, la increíble interpretación vocal y las crí(p)ticas letras sobre el amor, la sociedad, la política y EE. UU., aportaron significado a un concierto inclasificable. Mención aparte para el impresionante tema final "Only An Expert" (de Anderson), que fue el punto más álgido de The Yellow Pony...

También se merece una mención aparte la penosa organización del festival, que, aparte de cobrar 50 € por unas entradas bastante lejanas desde dónde era difícil distinguir las figuras de los músicos y leer los subtítulos (no quiero ni imaginar dónde situaron a la gente que pagó 35 €), dejó entrar y salir del concierto a una parte profundamente maleducada del público, provocando un ruido de pasos metálicos muy molesto para un espectáculo en el que todos los sentidos debían estar bien atentos.

Deberemos esperar a otra ocasión para poder ver a ese Lou Reed rockero de canciones inolvidables como "Perfect Day" o "Walk On The Wild Side", pero no dudaremos en comprar el DVD (si es que alguna vez se comercializa) de The Yellow Pony and Oter Songs and Stories. Probablemente después de dos o tres reproducciones podremos ser capaces de describir lo que pudimos ver en Sant Feliu de Guíxols el pasado 10 de julio.

Lost Art of Conversation (Live)

Only An Expert (Live)

Björk: Medúlla

2009-07-04T13:22:00.011+02:00

Poco después de haber protagonizado magistralmente la película de Lars Von Trier Dancer in the Dark (2000) y de publicar Vespertine (2001), la artista islandesa Björk anunció que para ella había terminado la etapa en la que compuso discos imprescindibles como Debut (1993), Post (1995) o Homogenic (1997). En el nuevo camino que empezaba, la cantante prometía encontrar nuevas vías de expresión y experimentar otras fórmulas para escribir su música. En 2004 edita Medúlla, un álbum interpretado casi íntegramente por un único instrumento: la voz.

Medúlla es, probablemente, el trabajo más introspectivo de Björk. La continua búsqueda de recursos vocales parece en realidad una gran metáfora de la búsqueda de lo más íntimo de las personas, de la capacidad humana. Sin pretender sonar presuntuoso, se podría decir que es algo así como el "encuentro de uno mismo".

Para cumplir con este ambicioso objetivo, Björk contactó con verdaderos expertos en la materia, desde el increíble beatboxer Rahzel (ex-miembro de The Roots) hasta la cantante gutural de origen inuit Tagaq, pasando por el genial Robert Wyatt o el camaleónico Mike Patton (Faith No More, Fantômas, Tomahawk, ex-Mr. Bungle y un larguísimo etcétera). Con este excepcional plantel de colaboradores y el incuestionable talento de Björk, no es de extrañar que Medúlla contenga algunas de las canciones más destacadas de la islandesa.

"Pleasure Is All Mine", el primer tema del disco, ya demuestra el resultado de esta original propuesta a cappella. Sin lugar a dudas, es una de las piezas más emocionantes de lo que va de siglo. En cambio, "Where Is The Line" es un auténtico temón heavy sin guitarras ni bajos eléctricos ni batería, y "Who Is It?", "Mouth's Cradle" y "Oceania" - esta última presentada en la ceremonia de inauguración de los JJ.OO. de Atenas 2004 - podrían haber formado parte de cualquier anterior álbum de Björk. La experimentación más evidente la encontramos en la concisa "Öll Birtan" y en la claustrofóbica "Ancestors", mientras que "Vökuró" (versión de una típica canción islandesa), "Show Me Forgiveness" y "Sonnets/Unrealities XI" son las que tienen estructuras e interpretaciones más clásicas. El punto intermedio está en la magnífica "Desired Constellation" y en la grave "Submarine". El final de fiesta lo pone "Triumph Of A Heart", un curioso tema pop que hará las delicias de los aficionados a todo tipo de ruidos ejecutados únicamente con la boca.

Con todo, Medúlla es un inmejorable reinicio de carrera para alguien como Björk, una artista que, haga lo que haga, nunca deja indiferente ni a sus detractores ni a sus fans más entusiastas.

Who Is It

Desired Constellation (Live)

Vökuró (Live)

Oceania

Triumph Of A Heart

Pleasure Is All Mine

Where Is The Line

Jens Lekman: Night Falls Over Kortedala

2009-06-29T17:01:00.009+02:00

Del compositor y cantante sueco Jens Lekman sabíamos que había destacado en la escena independiente con su primer y recomendable disco, When I Said I Wanted To Be Your Dog (2004), sobre todo por su hit instantáneo de pop fresco "You Are the Light". Pero sus irreverentes letras, sus deliciosas canciones y su increíble voz de crooner aún tenían mucho más que aportar. Night Falls Over Kortedala (2007) así lo demostró y lo encumbró definitivamente como uno de los artistas más sorprendentes de la actualidad.

Con unos magníficos arreglos orquestales a medio camino entre las composiciones más clásicas y las más modernas, los temas del segundo álbum de estudio de Lekman suenan atemporales, llenos de sensibilidad, humor e historias autobiográficas.

De hecho, el primer tema de Night Falls Over Kortedala, "And I Remember Every Kiss", ya mezcla magistralmente todas estas características en menos de tres minutos. La fiesta llega con el single "Sipping On The Sweet Nectar" y "The Opposite Of Hallelujah", dos canciones de energía y alegría melódica contagiosas. En la hilarante "A Postcard To Nina" (que en momentos nos recuerda a las composiciones de Brian Wilson), Lekman nos explica un divertido -¿real?- affaire con una chica lesbiana. En "Into Eternity" un acompañamiento musical de matiz infantil le sirve al sueco para cantarle al amor, mientras que en la siguiente "I'm Leaving You Because I Don't Love You" la psicodelia le sirve para cantarle al desamor.

De esta manera, los temas de Night Falls Over Kortedala se van sucediendo ("Your Arms Around Me" y "Shirin" son sencillamente imperdibles) hasta llegar al apoteósico final de jukebox "Friday Night At The Drive-In Bingo", en el que Lekman se descubre totalmente tal y como es: un crooner del siglo XX que se ha colado en el siglo XXI.

Sippin On The Sweet Nectar

The Opposite Of Hallelujah (Live)

Shirin (Live)

Your Arms Around Me (Live)

A Postcard To Nina (Live)

Into Eternity (Live)

Friday Night At The Drive-In Bingo (Live)

I'm Leaving You Because I Don't Love You

Élena: Porelamordedios

2009-06-16T22:59:00.020+02:00

Porelamordedios (2001) fue el álbum debut de la banda barcelonesa Élena, liderada por Helena Miquel y Raül Fernández. Un primer disco que, sin complejos, mezclaba todas y cada una de las influencias de los componentes del grupo y conseguía que el resultado fuera extraordinario. Sin duda, un rara avis del panorama nacional que debería ser revisado a menudo.

Uno tiene la sensación que si Élena hubiera sido la prioridad de sus principales cabezas visibles, ahora mismo estaríamos hablando de uno de los proyectos más relevantes de nuestro país. Pero, desgraciada o afortunadamente, Helena se unió a la conocida aventura de Facto Delafé y Las Flores Azules y Raül se ha centrado en una carrera más personal, en la que destacan los trabajos publicados bajo Refree y su papel de productor en multitud de discos. Sin embargo, Élena no se ha roto nunca como grupo (en 2003 publicaron el loado Present y este 2009 han regresado - sin Raül - con Un café setanta matins), aunque actualmente son más conocidos por la "otra banda de la cantante de Facto Delafé...".

Es una lástima. No se encuentran cada día propuestas como Porelamordedios, de elevado riesgo compositivo y delicioso gusto por la experimentación. Los ritmos y sonidos heredados de Mogwai, Yo La Tengo y My Bloody Valentine hacen único a un grupo que se enorgullece de haber bebido del circuito independiente británico y estadounidense.

Desde la inicial "Pure", la ensoñadora voz de Helena parece estar flotando por encima de una base armónica y rítmica completamente hipnotizadora. Esta es una fórmula repetida a lo largo del disco ("Km 103", "No Pattern"), que se alterna con canciones más convencionales -pero igual de inspiradas-, como "Julio Alberto" o "These Days" y otras de marcado tono borroso y oscuro: "Silent", "Satan Kingsize"... Aunque lo mejor viene al final, con esa maravillosa pieza titulada "Nadie Pero Mar" (que recuerda inevitablemente a la célebre "Ný Batterí" de Sigur Rós), un tema instrumental casi en su totalidad que logra poner el broche de oro a un debut impecable.

Porelamordedios corre el riesgo de caer en el olvido, a ser sólo la declaración de intenciones de uno de los grupos con más talento del país. Y Helena no se merece este pobre futuro.

Pure

Silent

Km 103

Julio Alberto

These Days

Nadie Pero Mar

Joan Miquel Oliver: Centre Cultural Barradas (L'Hospitalet de Llobregat), 05-06-09

2009-06-08T19:11:00.011+02:00

El cantante y compositor Joan Miquel Oliver se presentó en el Centre Cultural Barradas de L'Hospitalet de Llobregat dispuesto a defender su repertorio en solitario, formado por el cancionero del recomendable Surfistes en càmera lenta (2005) y del reciente y magnífico Bombón mallorquín (2009).

Si en disco Oliver es un autor que nos tiene acostumbrados a sorprender en cada nuevo tema, en concierto no se queda corto. Sus continuas intervenciones entre canción y canción descubren a un artista que le hecha mucho morro a la vida (así, en general), con el que servidor se iría a tomar unas cervezas para que le acabara de explicar su desconsuelo por los extraterrestres y los payasos o las teorías sobre su compatriota Tomeu Penya.

En lo musical, el mallorquín se hizo acompañar del batería Pere Manel Debon (colega en Antònia Font) y de un sobresaliente Toni Pastor al laúd y a los cacharros electrónicos. Entre los tres consiguieron que las canciones de Oliver sonaran frescas y más irreverentes que nunca. De hecho, piezas como "Lego", "Dins un avió de paper" o "Surfistes en càmera lenta" ganan enteros en directo, aportándoles mucha más fuerza y una espontaneidad que a veces se pierde en la (sobre)producción de los discos.

La inconfundible personalidad de Joan Miquel Oliver se engrandece en los escenarios, donde el mallorquín parece sentirse muy cómodo defendiendo unas composiciones que dicen mucho de él y de su particular manera de entender el mundo. Que lo entendamos o no es ya otra historia.

M'encanta París (Live)

Emerson Fitipaldi (Live)

Foto (Live)

Petit homenet (Live)

Pallasso (Live)

La mujer que mordió un piano & Hansel i Gretel (Live)

Final Feliç

Lego

Dins un avió de paper

Jo diria cine

Spotify: ¿la solución definitiva?

2009-05-28T23:09:00.010+02:00

Cuando los administradores de Last.fm decidieron (no sin cierta polémica) hacer pagar tres euros al mes a todos los usuarios que no fueran estadounidenses, ingleses o alemanes, los que no estábamos dispuestos a gastárnoslos tuvimos que buscar alternativas para escuchar música on-line. Y de pronto apareció Spotify.

Para quién no haya probado aún este nuevo sistema gratuito de música en streaming, sólo diré que os lo bajéis, os lo instaléis (al final del post explico cómo hacerlo) y lo empecéis a disfrutar. Os aseguro que no he cobrado nada por escribir este artículo.

En un primer vistazo, Spotify parece un proyecto destinado a durar cuatro días: su enorme catálogo de canciones, sus opciones de reproducción personalizadas y el hecho de que sea gratis son elementos más que suficientes para que los antipiratería, la SGAE y demás pongan el grito en el cielo y vuelvan a decretar el cierre de un medio completamente adaptado a las necesidades del internauta aficionado a la música. Nada más lejos de la realidad.

La gran diferencia se encuentra en que Spotify cuenta con el apoyo de las principales multinacionales; es decir, por una vez, la siempre tan criticada industria discográfica se ha puesto de acuerdo y ha decidido que este nuevo software puede ser la solución definitiva a sus continuos problemas con internet. ¿Por qué? Porque Spotify se entiende como un nuevo medio radiofónico. Un medio costumizado que permite a los anunciantes poner sus cuñas publicitarias (aunque por ahora no estén demasiado explotadas), permite a los usuarios escuchar las canciones que quieran en el momento que quieran y con una calidad de sonido excelente, permite la expansión de artistas noveles y permite conocer nuevas tendencias. Además, tiene un modelo de negocio muy claro y sencillo, con diferentes opciones de pago que posibilitan, por ejemplo, poder escuchar Spotify durante 24 horas sin cortes publicitarios a cambio de un euro.

Y todo esto con tan sólo un año de existencia. Con este panorama, las que deberán ponerse las pilas tarde o temprano serán las emisoras de radiofórmula.

Cómo bajar, instalar y registrarse en Spotify

En principio, Spotify funciona con un sistema privado de invitaciones, pero es relativamente fácil de "burlar":

1) Descarga gratuitamente el software desde Softonic

Mac: http://spotify.softonic.com/mac/descargar

Windows: http://spotify.softonic.com/descargar

2) Ves a la siguiente página de registro y rellena sus campos: https://www.spotify.com/en/get-started/

3) Instala el software en tu ordenador. Ejecútalo e inserta tu nombre de usuario y contraseña para acceder.

Boards Of Canada: Twoism

2009-05-20T20:41:00.006+02:00

Twoism (1995) es, en muchos sentidos, una obra excepcional. Para empezar, es el primer EP publicado por los escoceses Boards of Canada, uno de los dúos más influyentes de la música electrónica actual. Un pseudo-debut que deja entrever el estilo confirmado posteriormente con otros EPs y, sobretodo, con el aclamado álbum Music Has the Right to Children (1998).

En Twoism se citan ocho piezas con patrones similares: ritmos rotundos, densidad sonora y discretas líneas armónicas y melódicas que oscilan entre la oscuridad más profunda y el brillo más deslumbrante. El resultado de esta adictiva mezcla configuró una personalidad musical para Boards of Canada, introspectiva y extraña como todas sus composiciones.

Algunos apuntes sobre las canciones de Twoism. Todo empieza con la onírica y (casi)convencional "Sixtyniner". "Oirectine" -tal vez el momento más inspirado de este EP- recoge el testimonio del tema inicial y lo llena de ecos y reverberaciones para hacerlo viajar por lo que parecen hipnóticos túneles sin salida. "Basefree" es lo más cerca que hemos estado nunca de escuchar a Aphex Twin y Burial juntos, mientras que "Seeya Later" es sencillamente indescriptible.

Boards of Canada entendieron y siguen entendiendo la música electrónica a su propia manera. Twoism es la primera guía para que nosotros podamos entenderlos a ellos. Resumiendo, lo que decía en el inicio de esta reseña: excepcional.

Sixtyniner

Oirectine (no oficial)

Basefree

Seeya Later

Karen Dalton: It's So Hard To Tell Who's Going To Love You The Best

2009-05-05T18:38:00.021+02:00

Es imposible resistirse a la voz de Karen Dalton. A medio camino entre las grandes del blues (el mismísimo Bob Dylan la ha comparado con Billie Holiday) y del folk, la estadounidense debutó en 1969 con el casi desconocido It's So Hard To Tell Who's Going To Love You The Best y aún hoy cada vez que la escuchamos nos deja con la boca abierta.

Atentos al primer corte del álbum, "Little Bit of Rain": ese misterioso bajo inicial que da paso a la delicada guitarra y a la rasgada voz de Dalton, mientras una imperceptible batería les acompaña para acabar de redondear la pieza escrita por el prolífico Fred Neil. Es, sin duda, uno de los mejores momentos del disco. Una excelente elección para que nos quedemos embobados y predispuestos a escuchar It's So Hard To Tell... al completo. Acto seguido nos encontramos con "Sweet Substitute", y nos quedamos atrapados por completo por la (¡tramposa!) cantante. En la 100% blues "I Love You More Than Words Can Say" también parece sentirse muy cómoda, mientras que en las deliciosas versiones de "It Hurts Me Too" y "How Did The Feeling Feel To You" da argumentos suficientes para ser considerada una de las madres del folk norteamericano.

No hay ninguna canción compuesta por la propia Karen Dalton, pero poco importa; seguro que tampoco había nadie capaz de interpretar con tanta personalidad y emotividad los temas de It's So Hard To Tell.... La primera pequeña joya de una artista que debería ser recordada más a menudo.

It Hurts Me Too

How Did The Feeling Feel To You

No Indie

2009-04-23T17:01:00.004+02:00

No Indie es mi nueva sección en el blog de los amigos de Dimelorapido.

A menudo, los aficionados a la música agradecemos y valoramos muy positivamente el nivel de originalidad y poco-convencionalidad de un/a artista, al que alabamos por su “riesgo” comercial. Esta pasión por lo nuevo, por lo underground, hace que lo excesivamente conocido, los grupos y cantantes de radiofórmula, sean inmediatamente vapuleados por su supuesta baja calidad en pro de una excelente visión de negocio. En ese momento, el término “comercial” pasa de ser un simple adjetivo a ser un indicador de marcado carácter negativo.

NO INDIE plantea una recuperación de la objetividad frente a álbumes y músicos tildados continuamente como comerciales -porque lo son, a mucha honra. Y es que, como también pasa en el circuito más alternativo, hay propuestas mejores y peores. En esta sección trataré de recopilar las que creo que son imprescindibles y que han permanecido infravaloradas por algunos sectores indies.

¿Qué mejor forma de empezar que con el disco más comercial (es decir, más vendido) de la historia de la música?

Nick Cave & The Bad Seeds: The Boatman's Call

2009-04-14T16:40:00.012+02:00

Enfrentarse a la discografía del prolífico Nick Cave puede convertirse en una auténtica odisea. El australiano ha publicado más de 15 álbumes -contando sólo los de estudio-, de entre los cuales destaca el melancólico The Boatman's Call (1997), en el que Cave se hace acompañar de nuevo por sus inseparables Bad Seeds para cantar canciones de amor y, sobretodo, de desamor.

"Into my arms", la magnífica pieza que abre The Boatman's Call, muestra a un Nick Cave más intimista que nunca. Una suave melodía de piano, arropada por una delicada línea de bajo, otorga casi todo el protagonismo a la profunda e inconfundible voz, esta vez rota, del cantante australiano. En cambio, "West Country Girl" se mueve sobre un ritmo heredado de las películas de vaqueros para narrarnos (literalmente) una historia que habla supuestamente de su ex PJ Harvey, mientras que la excepcional "(Are You) The One That I've Been Waiting For?" es un canto a la esperanza teñido con una sombra que llega a abarcar la nostálgica e indispensable "Where Do We Go Now But Nowhere?".

A juzgar por sus letras, sus ambientes permanente oscuros y sus reflexiones espirituales, The Boatman's Call se convierte en el autorretrato de Cave en los momentos difíciles de su propia vida. Un retrato tan negro y honesto como el de la inquietante portada del disco.

Un excelente punto de partida para descubrir uno de los artistas más completos e interesantes de nuestro tiempo. Una obra maestra sin matices.

Into My Arms (Live)

West Country Girl (Live)

Far From Me (Live)

Brompton Oratory (Live)

The Cranberries: No Need to Argue

2009-02-18T14:21:00.009+01:00

El primer disco de The Cranberries, el recomendable Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We? (1993), contenía uno de los discursos más personales dentro del rock de los 90. En 1994, los irlandeses publicaron No Need to Argue, que significaría el triunfo y la consolidación de esta propuesta musical liderada por Dolores O'Riordan.

La particular voz de O'Riordan (tan admirada y odiada), con sus característicos gallos y cambios de registro, tiene el papel protagonista de unas canciones de cariz mayoritariamente melancólico, que versan sobre diversos aspectos de la infancia, de las relaciones personales y de las relaciones sentimentales.

Sin olvidar auténticos hits generacionales como "Zombie" o "Ode to My Family", en No Need to Argue se dan cita un conjunto de composiciones que hacen que probablemente este sea el álbum más completo de The Cranberries y un referente de la pasada década. "I Can't Be With You", uno de sus temas más populares, tiene un estribillo tan eficaz que aún hoy resuena en nuestros oídos, mientras que "Disappointment" tiene unos claroscuros sonoros sobrenaturales. Pero, sorprendentemente, la fórmula de los irlandeses mejora todavía más cuando mezclan la rabia y la tristeza: "Ridiculous Thoughts" y "The Icicle Melts" son claros ejemplos de esto último.

Tal vez la enorme virtud de The Cranberries (sobretodo en sus inicios) y de No Need to Argue radica en saber transmitir una visión totalmente personal de la música rock a través de canciones universales. Y eso lo pueden decir muy pocos.

Zombie

Ode to My Family

Disappointment

Ridiculous Thoughts

I Can't Be With You

The Icicle Melts (Live)

Josele Santiago: Las golondrinas etcétera

2009-02-09T22:31:00.006+01:00

Reconozco que nunca presté mucha atención a Los Enemigos. Pero eso no impidió que cuando llegó a mis manos el debut en solitario de Josele Santiago, titulado Las golondrinas etcétera (2004), éste se convirtiera en uno de los discos nacionales que más buen sabor de boca me ha dejado desde entonces.

Pocas veces un álbum tan variado da tan buenos resultados. Da la sensación que Santiago se propone enseñar su nuevo rumbo a base de continuos cambios estilísticos, sin perder nunca la esencia de unas composiciones sobresalientes tan lírica como musicalmente.

"Olé papa", el primer corte de Las golondrinas etcétera, empieza con relativa calma, pasa por un memorable estribillo y acaba con un final lleno de fuerza, en el que los intérpretes parecen divertirse como nunca. Aunque lo mejor está por llegar: la pegadiza "Cuatro días" y la maravillosa "Con las manos vacías" constituyen un tándem inigualable que demuestra como nunca el extenso imaginario propio de Josele Santiago. La personal voz del cantante madrileño se hace notar especialmente en "Borrico" y en "Soldado limpiando un fusil", dos introspectivas piezas en las que sólo se hace acompañar por su guitarra. Las piezas más rítmicas se encuentran en la rápida "Tragón" y en el tremendísimo pop de "Viento Sur", mientras que "Sin perdón, dormid" es la perfecta guinda que da por acabado un disco que no dejaríamos acabar.

Las golondrinas etcétera fue nombrado disco nacional del año 2004 en Rockdelux y en Rolling Stone, mientras que otros medios especializados como Mondosonoro lo incluyeron en su particular top 10. Con estas referencias poco más se puede añadir a este excelente debut de un libre (¿liberado?) Josele Santiago.

Olé papa

Con las manos vacías

Massive Attack: Mezzanine

2009-01-20T17:27:00.011+01:00

Después de publicar Blue Lines (1991) y Protection (1994) los ingleses Massive Attack se encumbraron como uno de los referentes indispensables de la escena trip hop. Mezzanine (1998) presentó un cambio de rumbo en su sonoridad que fue recibido de forma desigual entre críticos y público y que confirmó a los ingleses como uno de los grupos más sorprendentes y originales de la década.

Tan oscuro como el escarabajo de la portada, Mezzanine es un disco de electrónica nocturna, densa, a veces ambiental, a veces contundente, pero siempre con un efecto hipnótico y adictivo que tiene en la inicial y magnífica "Angel" la mejor carta de presentación. En Mezzanine, los contínuos juegos sonoros y las bases rítmicas profundas adquieren un protagonismo casi absoluto. Antiguos hits como "Unfinished Sympathy" o "Karmakoma" parecen quedar muy atrás, en pro de una renovación casi total de Massive Attack. No obstante, esta renovación no ha impedido que algunas canciones de Mezzanine como "Teardrop" no paren de sonar en todas partes - ya sea en series, en películas, en programas de radio o hasta en insólitas covers. "Dissolved Girl", "Black Milk", "Risingson" o la propia "Mezzanine" son otros ejemplos de la nueva dirección musical que emprendió el grupo de Bristol y que confirmó en 2003 con la publicación de 100th Window.

Massive Attack pueden presumir de tener una de las discografías más interesantes que podemos encontrar en la actualidad. Sus cuatro álbumes de estudio son indispensables (así como la banda sonora de Danny The Dog), pero Mezzanine marcó un punto de inflexión difícil de repetir y mucho más difícil de superar.

Angel

Teardrop

Risingson

Mezzanine (Live)

Inertia Creeps (Live)

Man Next Door (Live)

Dissolved Girl

Black Milk

Terry Callier: What Color Is Love

2009-01-10T11:56:00.019+01:00

El cantante, guitarrista y compositor norteamericano Terry Callier se vio obligado a interrumpir su carrera musical en 1983, cuando ganó la custodia de su hija. Diez años antes, en 1973, publicó What Color Is Love, un híbrido de folk, soul y jazz que estuvo prácticamente olvidado hasta los años 90.

What Color Is Love empieza con "Dancing Girl", una larga canción que demuestra la gran versatilidad vocal y sensibilidad compositiva de Callier. Perfectamente orquestada e interpretada, "Dancing Girl" contiene el crescendo más emocionante del disco y da paso a la preciosa pieza que da título al álbum, en la que el cantante se respalda en un blues para mostrarnos su faceta más introspectiva. La fiesta rítmica llega con "You're Goin' Miss Your Candyman", una aproximación al Rhythm'n'Blues con una sinuosa y brillante línea de bajo a cargo de Louis A. Satterfield (excelente durante todo el disco) que soporta, junto a la batería y la percusión, el peso de esta magnífica canción llena de contrastes. La espectacular "Just As Long As We're In Love" y la intimista "You Don't Care" son dos perfectas baladas en las que las coristas tienen un papel protagonista, mientras que "I'd Rather Be With You" suena a folk romántico y atemporal.
En 1998, Terry Callier volvió a grabar un álbum (el muy recomendable Timepeace), y a partir de ese momento está viviendo una segunda juventud musical. Es una buena excusa para volver a escuchar What Color Is Love, un clásico que no debería faltar en ninguna colección de discos.

You're Goin' Miss Your Candyman (Live)

Dancing Girl

What Color Is Love